Автопортрет XX век
Самуэль Йессурун де Мескита (нидерл. Samuel Jessurun de Mesquita) был выдающимся нидерландским художником и графиком, чьё творчество оказало заметное влияние на развитие модернизма в искусстве. Родившийся в Амстердаме в семье сефардских евреев, де Мескита с ранних лет проявлял интерес к искусству, экспериментируя с различными техниками и материалами. Его работы, особенно гравюры на дереве, отличались глубоким изобразительным мастерством и уникальным стилем, включающим элементы фантастики, юмора и меланхолии.
Преподавая в Школе архитектуры и декоративных искусств в Харлеме, де Мескита оказал значительное влияние на своих учеников, среди которых был известный график М. К. Эшер. Эшер сохранял тёплые отношения с де Мескитой и после его трагической смерти в концентрационном лагере Освенцим вместе с семьёй помогал сохранить и продвигать наследие своего учителя.
Во время нацистской оккупации Нидерландов де Мескита был вынужден вести уединённый образ жизни, ограничив свою работу в основном эскизами. Трагедия обрушилась на семью в зиму 1944 года, когда Самуэль, его жена Элизабет и их единственный сын Яап были арестованы и отправлены в Освенцим, где вскоре были убиты.
Творчество Самуэля Йессурун де Мескита, включая его портреты и самопортреты, до сих пор вызывает восхищение своей глубиной и мастерством. Его работы находятся в коллекциях многих музеев, в том числе в амстердамском музее "Стеделейк", благодаря усилиям Эшера, который организовал мемориальную выставку в 1946 году.
Приглашаем вас подписаться на обновления и узнавать о новых продажах продукции и аукционных мероприятиях, связанных с Самуэлем Йессурун де Мескита. Это позволит вам глубже погрузиться в мир его искусства и сохранить память о великом художнике.
Луиза Аббема (франц. Louise Abbema) была французской художницей, скульптором и гравером, родившейся в 1853 году в аристократической семье в Этампе. С раннего возраста она обучалась живописи у таких мастеров, как Шарль Шаплен и Жан-Жак Эннер, и быстро заявила о себе, благодаря портретам актеров и актрис Комеди Франсез, в том числе Сары Бернар. Её работы отражали влияние импрессионизма и академического искусства, а также были вдохновлены японским искусством.
Аббема активно участвовала в художественной жизни Парижа, её картины выставлялись в Салоне художников Франции и на Всемирных выставках. Она также выполняла заказы на декоративные панно для ратуш и других общественных зданий в Париже, а также работала над интерьерами таких мест, как Театр Сары Бернар (ныне Театр города Парижа) и дворец губернатора в Дакаре.
В 1906 году Луиза Аббема была награждена орденом Почётного легиона. Несмотря на признание в течение её жизни, после смерти в 1927 году её работы на некоторое время были забыты, но в конце XX века они снова стали популярны, особенно в контексте исследования вклада женщин в искусство прошлых веков.
Если вас заинтересовала работа Луизы Аббема и хотели бы получать обновления о новых продажах её произведений или предстоящих аукционах, подписывайтесь на наши обновления.
Фредерико Агилар Алькуаз (англ. Frederico Aguilar Alcuaz) — филиппинский художник-абстракционист, скульптор и керамист, мастер гобелена.
Он обучался живописи в Школе изящных искусств Филиппинского университета, затем жил и работал и на Филиппинах, и в Испании, а в Брно (Чехия) он много трудился над созданием гобеленов.
Своими яркими абстрактными работами в разных жанрах и техниках Алькуаз заслужил мировое признание, он много выставлялся на международном уровне.
Томас Баумгартнер (нем. Thomas Baumgartner) — немецкий художник. Он прославился благодаря своему мастерству в живописи, за что получил золотую медаль в 1913 году на выставке в Мюнхенском Стеклянном дворце. Томас Баумгартнер известен своими инновационными решениями в международной арт-сцене, его работы высоко ценятся коллекционерами и экспертами искусства.
Одним из известных произведений Баумгартнера является портрет двух солдат Крумен, датированный 1916 годом. Эта картина выполнена маслом на холсте и подписана художником в верхнем левом углу. Его работы часто появляются на аукционах, где они привлекают внимание коллекционеров и достигают значительных цен.
Его картины можно встретить в различных музеях и на выставках по всему миру, а его вклад в искусство оставил заметный след в истории живописи.
Если вас интересует искусство Томаса Баумгартнера и вы хотите быть в курсе предстоящих аукционов и продаж его работ, подпишитесь на наши обновления. Это позволит вам не пропустить важные события, связанные с произведениями этого выдающегося художника.
Лиланд Белл (англ. Leland Bell) был американским художником, чья страсть к живописи вдохновила и повлияла на многих. Он самоучка, известный своей защитой художников, которых он восхищался, включая Карла Кнатса, Жана Арпа и Пита Мондриана. В начале своей карьеры он работал охранником в Музее необъективного искусства, где и закрепилась его любовь к абстрактному искусству, но позже, под влиянием Жана Эльйона, он стал сторонником фигуративного искусства.
Белл использовал абстракцию как средство для изучения фигурации, используя смелые контуры и яркие поля цвета. Его работы, полные драматизма повседневной жизни, отличаются театральностью и статическими позами, напоминающими табло вивант. Автопортреты Белла характеризуются сильными линиями и психологической интенсивностью, пронизывающей его творчество.
Белл черпал вдохновение от модернистов, таких как Дерен, Эльйон, Джакометти и Мондриан, применяя уроки абстракции к фигуративной живописи. Его работы узнаваемы благодаря их графическим качествам: черные контурные линии, смелые цветные плоскости и динамичная композиция, делая его работы выделяющимися среди современных фигуративных художников за их абстрактные качества и внутреннее напряжение.
Белл активно работал художником, преподавателем и лектором, организуя персональные выставки и участвуя в групповых шоу. Его картины и рисунки были представлены на ретроспективной выставке в Коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1987 году. Произведения Белла находятся в многочисленных коллекциях по всей Северной Америке и Европе, отражая его значимость и влияние в искусствоведческом мире.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата Лиланд Белл является фигурой, заслуживающей внимания не только за его вклад в развитие фигуративного искусства, но и за его уникальный подход к абстракции и композиции. Его творчество остается актуальным и вдохновляющим для современных художников и любителей искусства.
Если вы заинтересованы в получении обновлений о новых продажах продуктов и аукционных событиях, связанных с Лиландом Беллом, подпишитесь на обновления, которые будут уведомлять вас о новинках продажи продукции и предстоящих аукционных событиях, связанных с Лиландом Беллом. Это уникальная возможность оставаться на связи с миром искусства и узнавать о редких и ценных произведениях, представляющих интерес для коллекционеров и знатоков. Присоединяйтесь к нам, чтобы не пропустить эксклюзивные предложения и события, открывающие новые горизонты в искусстве и культуре.
Василий Васильевич Беляшин, российский художник, график и живописец Серебряного века, оставил заметный след в истории русского искусства. Родился в 1874 году в Виленской губернии, он начал своё обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества под руководством В. А. Серова, а затем продолжил образование в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств. Его талант был отмечен уже в студенческие годы: за этюд он получил малую серебряную медаль и звание неклассного художника.
Беляшин активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы были представлены на Весенних выставках и выставках Товарищества художников, а также в различных журналах, таких как «Новое время» и «Вершины». Его иллюстрации и живописные произведения пользовались успехом и признанием среди современников.
Произведения Василия Васильевича находятся в ведущих музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что свидетельствует о высокой оценке его вклада в искусство. Это делает его творчество значимым не только для истории русского искусства, но и для коллекционеров и исследователей.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, произведения Беляшина представляют особенную ценность. Его уникальный стиль и вклад в развитие живописи и графики делают его одним из выдающихся художников своего времени. Чтобы узнать больше о его работах и возможностях приобретения, рекомендуем подписаться на обновления и уведомления о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с Василием Васильевичем Беляшиным.
Бернхард Иоганнес Блуме (нем. Bernhard Johannes Blume) — немецкий художественный фотограф.
Бернхард Блуме и его жена Анна Блуме (Anna Blume) создали множество чёрно-белых постановочных фотокартин, в которых участвовали сами. Супруги считаются одним из первооткрывателей постановочной фотографии.
Эрвин Бовин — немецкий художник и поэт. Первое художественное образование получил в Школе прикладного искусства в Невшателе под руководством Уильяма Расина. Принимал участие в Первой мировой войне в качестве переводчика. За это время создал среди прочего рисунки и акварели с изображением фронта в Аргоннском лесу. После войны продолжал учиться и работал учителем искусств. В 1932—1942 годах жил как свободный художник. После увольнения с должности учителя поехал в Амстердам, чтобы посетить там выставку Рембрандта, а затем остался жить в Нидерландах. Помимо пейзажей, Бовин писал многочисленные портреты и семейные картины для богатых голландцев.
Николай Петрович Богданов-Бельский — знаменитый русский художник, чьи работы сегодня являются важной частью культурного наследия России. Родившийся в 1868 году в селе Шитики, Богданов-Бельский обрел известность благодаря своим уникальным произведениям, отражающим жизнь и быт русского народа.
Николай Богданов-Бельский учился живописи в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его учителями были известные русские художники, такие как В. Д. Поленов и В. Е. Маковский. Он стал известен благодаря своим пейзажам и портретам, а также работам, посвященным образованию и детям, таким как «Устный счёт. В народной школе С. А. Рачинского» и «Воскресное чтение в сельской школе».
Произведения Николая Богданова-Бельского находятся в ведущих музеях России и мира, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Он оставил после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять и восхищать любителей искусства по всему миру.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, изучение творчества Николая Богданова-Бельского представляет особый интерес, ведь его работы являются ярким примером русского искусства того времени и отражают культурные и общественные изменения в России на рубеже веков.
Если вы хотите получать обновления о новых продажах произведений Николая Петровича Богданова-Бельского и аукционных событиях, связанных с его работами, подпишитесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять только актуальную информацию, которая поможет вам быть в курсе важнейших событий мира искусства и антиквариата.
Теодор Пенли Бойд — австралийский художник британского происхождения. Был членом творческой династии Бойдов: его родители Артур Меррик Бойд и Эмма Минни Бойд (урожденная Беккет) были известными художниками того времени, а среди его братьев был керамист Меррик Бойд и писатель Мартин Бойд. Пенли Бойд наиболее известен как пейзажист, мастерски справлявшийся с мимолетными световыми эффектами. Заметное влияние на него оказал художник Э. Филлипс Фокс, который познакомил его с техникой пленэра, когда они были соседями в Париже.
Джеймс Браун (англ. James Brown) — художник американского происхождения, работавший в Париже и Оахаке, Мексика. Был наиболее известен в 1980-х годах своими грубыми живописными полуфигуративными картинами, имеющими сходство с работами Жан-Мишеля Баскии и живописью Ист-Виллидж того времени, но с элементами примитивного искусства и классического западного модернизма. Большая часть его работ нереалистична, но содержит изображения лиц или объектов. Грань между репрезентацией и абстракцией в его картинах часто бывает сложной. Помимо картин, Браун также создавал скульптуры и гравюры, а в 1990-х годах начал активно использовать коллаж.
Миха Брендель (нем. Micha Brendel) — немецкий художник, живет и работает в Хохендорфе/Нижней Лужице.
Брендель начал свою карьеру в качестве ассистента художника, затем учился в Кунстхохшуле Берлин-Вайсензее и в HfBK Дрездена. Он был одним из основателей объединения Auto-Perforations-Artisten и редактором независимых журналов для художников.
В ранних работах Бренделя основные направления составляли автопортреты и фотографии собственного тела, искаженные с помощью фотографических техник. Он также обширно использовал органику, включая кости и кожу животных, в создании самых различных работ. Общая тема — саморазрушение и отчуждение, шок и отвращение. О процессе своего творчества Брендель писал подробные отчеты, ставшие основой для книг.
Работы Бренделя, часто пересекающие границы друг друга, включают рисунки, фотографии, надписи, книги художника, таксидермические объекты, инсталляции и перформансы. В настоящее время он активизирует свою работу с письмом и природой и выступает в качестве куратора выставочных проектов.
Исаак Израилевич Бродский — выдающийся русский художник, чьё имя знакомо каждому ценителю искусства. Родившийся в Софиевке (ныне Украина) в 1884 году, Бродский стал выдающимся представителем советской живописи, специализируясь на портретах, а также исторических и революционных сюжетах. Его талант был широко признан не только в России, но и за её пределами.
Творчество Бродского отличается глубиной и эмоциональной насыщенностью. Художник сумел создать уникальный стиль, в котором переплелись реализм и личностное видение исторических событий. Его работы несут в себе не только эстетическую ценность, но и служат историческим документом своего времени.
Среди самых известных произведений Бродского – портреты В. И. Ленина и других ведущих деятелей советского государства, а также картины, посвящённые ключевым моментам революционной истории России. Многие из его работ сегодня хранятся в ведущих музеях страны, включая Русский музей и Третьяковскую галерею.
Бродский также занимал важное место в образовательной сфере, будучи профессором и руководителем мастерской в Академии художеств. Его вклад в развитие русского искусства и подготовку новых поколений художников трудно переоценить.
Мы приглашаем всех ценителей искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Исааком Израилевичем Бродским. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж произведений и аукционных событий, связанных с этим художником. Не упустите возможность узнать больше о наследии Бродского и приобрести часть истории.
Артур Брузенбаух — австрийский художник. Артур Брузенбаух учился у Иоганна Каутского, а затем работал декоратором сцены. В 1920 году он стал членом Венского сецессиона, в 1939 году перешел в Кюнстлерхаус. В 1928 году представлял Австрию на художественных конкурсах Олимпийских игр 1928 года. С 1937 по 1941 год участвовал во всех крупных немецких художественных выставках в Мюнхене с семью картинами маслом. В 1939 году Гитлер приобрел картину «Мельк-ан-дер-Донау» в праздничных украшениях. Брузенбаух, которого относят к позднему импрессионизму, занимался фресковой живописью и графикой.
Варвара Дмитриевна Бубнова — выдающаяся русская художница, педагог и искусствовед, чья жизнь и творчество оказали значительное влияние на развитие искусства в России и Японии. Она родилась в Санкт-Петербурге и окончила Императорскую Академию художеств, став активной участницей художественной жизни начала 20-го века. В 1923 году Бубнова переехала в Японию, где прожила более 30 лет, внося вклад в культурное взаимодействие между двумя странами. Она преподавала русский язык и литературу, вела лекции по русскому искусству и литературе, и разработала новый метод автолитографии на цинке, что повлияло на развитие литографии в Японии.
Бубнова участвовала в выставках японского авангарда и была членом нескольких художественных обществ. В Японии она подружилась с местными художниками и активно выставлялась, провела несколько персональных выставок. В 1958 году вернулась в СССР, где продолжила творческую и педагогическую деятельность, проведя множество выставок по всей стране. Её вклад в развитие культурных связей между СССР и Японией был отмечен орденом Драгоценной короны IV степени.
Работы Варвары Бубновой хранятся в Государственном Русском музее, а также в частных коллекциях и музеях по всему миру. Среди её известных произведений - "Портрет переводчика X. Никамуры", "Японец в кимоно", "Следы войны" и "Хризантемы". Она также оставила значительное наследие в виде публикаций по русскому искусству и литературе, а также воспоминаний о жизни в России и Японии.
Её вклад в искусство и культуру, а также межкультурное взаимопонимание между Россией и Японией, делают её фигурой глобального масштаба. Варвара Бубнова была не просто художником, но и мостом между культурами, чьё наследие продолжает вдохновлять новые поколения.
Для тех, кто интересуется искусством и историей Варвары Дмитриевны Бубновой, приглашаем подписаться на обновления. Это позволит получать информацию о новых выставках, аукционах и событиях, связанных с её творчеством.
Йохан Хендрик ван Мастенбрук (нидерл. Johan Hendrik van Mastenbroek) — нидерландский художник, родился в голландском городке Роттердам. Его отец, тоже художник, был его первым учителем и открыл его талант. Слава художника вскоре распространилась по всему миру, и к концу 1890-х годов он завоевывал награды и медали по всей Европе. За заслуги перед голландским искусством он был награжден специальной золотой медалью королевы Голландии Вильгельмины.
Вальтер Констан Ренерус Вас (фр. Walter Constant Renerus Vaes) — бельгийский художник и офортист. Ранние годы провел в Ливерпуле, Англия. Обучался живописи и гравюре у Пита Верхарта. С 1900 студент Академии в Антверпене у А. де Вриндта. В основном писал пейзажи, натюрморты и цветы. Лауреат Римской премии 1904 г.
Эльза Вебер-Роувольф (нем. Else Weber-Rouwolf), урожденная Эльза Роувольф (Else Rouwolf) — немецкая художница экспрессивного реализма.
Свою первую картину Эльза нарисовала в 30 лет и впервые приняла участие в выставке в 1926 году в Гамбурге. Она стала участницей Гамбургского сецессиона, членом «Гамбургского общества художников» и «Гедока», дружила с Э. Хартманом и Г. Вольвилем. В 1929 году художница уехала на год в Париж учиться в Академии Гранд Шомьер.
Главным направлением творчества Вебер был портрет — ее моделями были художники, друзья, муж и дочь, знакомые и их дети. Эльза также много путешествовала и рисовала пейзажи. Она пережила войну, рисовала до девяноста лет и умерла в возрасте 100 лет.
Марианна Владимировна Верёвкина, знаменитая русская художница-экспрессионистка, оставила неизгладимый след в мировой культуре и искусстве. Её жизнь и творчество вдохновляют как коллекторов, так и экспертов в области искусства и антиквариата. Марианна родилась в 1860 году в Туле, в семье с глубокими артистическими традициями. Её мать, увлекавшаяся иконописью и портретной живописью, стала первым учителем искусства для талантливой дочери.
Верёвкина известна не только своими произведениями, но и своим вкладом в развитие искусства через поддержку и продвижение талантов других художников, в частности своего гражданского мужа, Алексея Явленского. Она посвятила десять лет культивированию его таланта, став для него источником вдохновения и поддержки. Верёвкина также была одной из любимых учениц Ильи Репина, который называл её "русским Рембрандтом" за её выдающиеся достижения в живописи.
В своём творчестве Марианна искала новые пути выражения, выбрав темперу для достижения чистоты цвета и работая над композицией. Её ассоциации с группой "Синий всадник" и влиятельные знакомства с такими художниками, как Василий Кандинский, значительно повлияли на её творческий путь.
Среди известных работ Верёвкиной можно выделить "Осень. Школа" (1907), "В кафе" (1909), "Печальное настроение" (1910), и "Автопортрет I" (1910), которые находятся в крупных музеях и частных коллекциях по всему миру. Её произведения отличаются глубиной эмоционального содержания, яркостью и насыщенностью цвета, что делает их особенно ценными для коллекторов и исследователей искусства.
Марианна Верёвкина скончалась в 1938 году в Асконе, Швейцария, оставив после себя наследие, которое продолжает вдохновлять и поражать своей глубиной и красотой. Её работа и жизнь свидетельствуют о неиссякаемом творческом духе и страсти к искусству.
Мы приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Марианной Верёвкиной, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях. Эта подписка станет вашим окном в мир высокого искусства и позволит не пропустить важные события, связанные с творчеством этой выдающейся художницы.
Ян Веркаде (нидерл. Jan Verkade), имя при рождении Йоханнес Сикстус Герхардус Веркаде (Johannes Sixtus Gerhardus Verkade), позже сменивший имя на Виллиброрд Веркаде (Willibrord Verkade) — голландский и немецкий монах-бенедиктинец, живописец-постимпрессионист и символист.
Ян с юности был покорен искусством и начинал учиться живописи в Государственной академии изящных искусств Амстердама, позже в Париже познакомился с Полем Гогеном, Полем Серюзье и другими символистами, что сыграло большую роль в его мировоззрении. В последние годы 19 века Веркаде присоединился к группе художников-символистов «Наби» (Les Nabis). Будучи увлечен эзотерическим мистицизмом, каббалой и восточными магическими учениями, он, однако, придерживался канонов христианства.
В 1893 году Веркаде отправился в бенедиктинский монастырь в Бойроне, Германия, расписывал церкви и монастыри, а в 1902 году он стал священником и изменил имя на Виллиброрд Веркаде (Willibrord Verkade). Он продолжал рисовать до 1927 года, но уже не смог достичь уровня своего французского периода, считающегося его лучшим периодом. Однако он внес значительный вклад в развитие художественной школы Beuron, которая была основана конфедерацией монахов-бенедиктинцев в Германии в конце 19 века. Вплоть до своей смерти в 1946 году Веркаде вел затворнический образ жизни, написав за эти годы несколько религиозных, исторических и научных лингвистических трудов.
Александр Богданович Виллевальде был русским художником немецкого происхождения, известным своими батальными и анималистическими картинами. Родился в 1857 году в Санкт-Петербурге в семье живописца Богдана Павловича Виллевальде. Его обучение прошло в Императорской академии художеств, где он быстро стал одним из лучших студентов, получив множество наград.
Одной из его значимых работ является картина "Главнокомандующий имперской армией генерал Тилли в опасности", которая принесла ему большую золотую медаль. Виллевальде также специализировался на изображениях лошадей, что делало его востребованным среди крупных коннозаводчиков.
Его произведения хранятся в таких музеях, как Государственный Эрмитаж и Музей коневодства в Москве. Работы Виллевальде ценятся коллекционерами и часто появляются на аукционах, где вызывают большой интерес.
Подпишитесь на обновления, чтобы первыми узнавать о новых поступлениях и аукционных событиях, связанных с произведениями Александра Богдановича Виллевальде.
Каролина Виттман (нем. Karoline Wittmann), урожденная Эрлахер (Karoline Erlacher) — немецкая художница, писала в стиле экспрессивного реализма. Вдохновленная выставками в мюнхенском Гласпаласте, в конце 1920-х годов она посещала школу живописи Морица Хеймана. Она изучала графику и живопись обнаженной натуры. С 1945 года работала свободным художником. Ее образцами для подражания были Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и Ловис Коринт.
Каролина Виттман была членом Нового мюнхенского кооператива художников, Профессиональной ассоциации изящных искусств / BBK-Munich и Gedok. С 1949 по 1960 год выставлялась на ежегодной Большой художественной выставке в Доме искусства. На большой художественной выставке 1978 года в Haus der Kunst в Мюнхене две пейзажные картины были выставлены в память о ней в Neue Münchner Künstlergenossenschaft и проданы в первую неделю. Каролина Виттман за свою жизнь продала три картины с подсолнухами. Работа всей жизни Каролины Виттманн была опубликована посмертно только в 1996 году Маттиасом Арнольдом и в 2010 году Ингрид фон дер Доллен. Он включает в себя около 340 картин маслом, акварелей и офортов, перечисленных в каталоге.
Иван Алексеевич Владимиров был российским художником, известным своими картинами и иллюстрациями. Он родился в 1870 году в Вильне (ныне Вильнюс, Литва) в семье священника и акварелистки. Владимиров учился в Императорской Академии художеств, где развил свой талант и приобрел мастерство, которое принесло ему известность.
Работы Владимирова часто изображали повседневную жизнь, исторические события и военные сцены его времени. Он создавал иллюстрации для книг и журналов, а также участвовал в создании агитационных плакатов во время Первой мировой войны и Революции 1917 года. Его картины отличались детальной проработкой и эмоциональной глубиной, что делало их особенно ценными для коллекционеров и любителей искусства.
Некоторые из самых известных произведений Иван Алексеевича Владимирова хранятся в престижных музеях России, таких как Государственный Русский музей и Третьяковская галерея. Его картины, такие как "Баррикады на Литейном проспекте" и "Красные в Петрограде", позволяют зрителям погрузиться в исторические события того времени через призму его художественного мастерства.
Владимиров оставил значительное наследие в области изобразительного искусства, и его работы продолжают восхищать и вдохновлять современников. Коллекционеры и ценители искусства высоко ценят его вклад в российскую культуру и искусство.
Подпишитесь на наши обновления, чтобы не пропустить информацию о новых поступлениях и аукционах, связанных с произведениями Иван Алексеевича Владимирова. Мы будем информировать вас только о новых продажах и событиях, связанных с его искусством.
Надежда Савельевна Войтинская-Левидова была выдающейся российской и советской художницей, переводчицей и искусствоведом, жившей в период с 1886 по 1965 год. Родилась она в Санкт-Петербурге в семье математика и педагога Савелия Осиповича Войтинского и Вильгельмины Лазаревны Берман. Надежда начала свое образование в ЦУТР барона Штиглица, продолжила учебу за рубежом в странах Европы и сблизилась с группой "Мир искусства". Она активно участвовала в художественной жизни начала XX века, создавая портреты культурных деятелей для журнала "Аполлон".
Войтинская-Левидова оставалась в блокадном Ленинграде во время Великой Отечественной войны, работая в Бюро пропаганды Союза писателей и выступая в госпиталях. После войны она преподавала иностранные языки и заведовала кафедрой иностранных языков во Всесоюзном заочном лесотехническом институте.
Ее работы сегодня можно найти в коллекциях Государственного Русского музея, Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина и Государственного литературного музея. Среди наиболее известных произведений - портреты М. А. Кузмина, Н. С. Гумилева и "Портрет дамы в испанском".
Ее жизнь и творчество являются важной частью культурного наследия России, подчеркивая значимость ее вклада в развитие русского искусства и литературы.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Надеждой Савельевной Войтинской-Левидовой.
Максимилиан Александрович Волошин — знаменитый русский поэт-символист, художник, литературный критик и искусствовед. Его жизнь и творчество тесно связаны с Крымом и Коктебелем, где он воплотил мечту о коммуне художников. Волошин вырос в интеллектуальной атмосфере, с ранних лет увлекался литературой и искусством, благодаря чему стал одной из ярких фигур Серебряного века. Его творчество охватывает не только поэзию, но и изобразительное искусство, причем в качестве художника Волошин получил признание за свои акварельные пейзажи Крыма, которые он создавал по памяти, отличаясь философским и пантеистическим взглядом на природу.
Волошин много путешествовал по Европе, посещал Вену, Италию, Швейцарию, Париж, Грецию и Константинополь, где изучал литературу, слушал лекции в Сорбонне и занимался живописью. Эти путешествия обогатили его знаниями и позволили ему вступить в круг европейских интеллектуалов и художников, таких как Гийом Аполлинер, Анатоль Франс, Анри Матисс и Пабло Пикассо. В своем доме в Коктебеле Волошин создал уникальную атмосферу, где собирались известные поэты, писатели и художники того времени.
Несмотря на талант и вклад в культуру, после революции Волошина перестали публиковать в Советской России, и лишь после его смерти его творчество снова стало доступно читателям. Максимилиан Волошин оставил после себя значительное наследие, которое продолжает вдохновлять и сегодня. Его работы хранятся в музеях и являются важной частью русской культурной истории.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, и интересуетесь творчеством Максимилиана Волошина, рекомендуем подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником и поэтом.
Эрих Вольфсфельд (нем. Erich Wolfsfeld) — немецкий художник и гравёр, родившимся в Кройянке (тогда в Пруссии), а позже переехавшим в Берлин. Он обучался в Берлинской Академии изобразительных искусств, а также в Академии Жюлиана в Париже, и работал в Риме в начале 1900-х годов.
Эрих Вольфсфельд был известен своими произведениями, посвящёнными итальянским уличным сценам и этюдам на Ближнем Востоке. В 1905 году он получил заказ от прусского правительства на создание гравюр по мотивам византийских фресок в классических руинах Прьены. Эта работа не сохранилась, но она пробудила у Вольфсфельда интерес к путешествиям, который он продолжал в течение всей своей жизни.
Среди работ, созданных Эрихои Вольфсфельдом, выделяются портреты, пейзажи и жанровые сцены. В 1911 году он получил Золотую медаль императора Вильгельма за свою картину «Лучники» и в том же году стал выставляться в Берлине, Лейпциге и Вене. Его искусство представлено в престижных музеях и галереях, таких как Британский музей, Музей Израиля и Метрополитен-музей в Нью-Йорке.
Если вы заинтересованы в приобретении произведений Эриха Вольфсфельда или хотите получить уведомления о новых продажах и аукционах, подпишитесь на наши обновления. Мы будем информировать вас только о новых предложениях, связанных с этим художником.
Грант Вуд (англ. Grant Wood) был американским художником, наиболее известным своей картиной "Американская готика". Родившийся в 1891 году в Анамосе, штат Айова, он стал значимой фигурой в направлении риджионализма, отражающего сельскую жизнь Америки. Вуд обучался в Школе Искусств Университета Чикаго и путешествовал по Европе, где изучал различные художественные стили.
В творчестве Вуда заметно влияние стиля Северного Возрождения, что особенно проявляется в детализации и композиционной строгости его работ. Эти черты характерны для его самых известных картин, включая "Американскую готику", где изображены фермер и его дочь на фоне типичного американского дома. Эта картина стала символом американского искусства и культуры.
В 1930-х годах Вуд активно участвовал в развитии риджионализма, создавая произведения, которые подчеркивали культурную идентичность Среднего Запада США. Его педагогическая деятельность также оставила заметный след в американском искусстве, привлекая внимание к региональным темам и мотивам.
Грант Вуд умер в 1942 году, но его наследие продолжает вдохновлять художников и коллекционеров. Тем, кто интересуется риджионализмом и работами Вуда, мы предлагаем подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых выставках и аукционных продажах, связанных с этим выдающимся художником.
Карл Фридрих Вильгельм Гайст (нем. Carl Friedrich Wilhelm Geist) — немецкий художник-импрессионист. В 1888 году поступил в Академию изящных искусств в Карлсруэ. Получив стипендию Министерства внутренних дел Великого Герцога, он продолжил обучение в Мюнхене, Вене и Италии. В 1900 году выставлялся в Гласпаласте. Хотя официально он был зачислен в Карлсруэ до 1905 года, на самом деле он продолжил учебу в Штутгарте. Некоторое время он жил в Дармштадте, затем вернулся в Грюнберг в 1905 году, хотя, как художник-фрилансер, он часто путешествовал, чтобы навестить своих клиентов. Первая мировая война сильно ударила по нему. После нее он отказался от импрессионизма в пользу более мрачного академического стиля. Карл Гайст оставил около 300 работ, в том числе 25 портретов.
Луис Кристиан Гесс (нем. Louis Christian Hess), имя при рождении Алоис Антон Гесс (нем. Alois Anton Hess) — австрийский художник и скульптор немецкого движения Neue Sachlichkeit («Новая вещественность»).
Во время Первой мировой войны Гесс сражался на французском фронте в Сомме и Арденнах, а уже после обучался живописи в Bayerische Akademie der Bildenden Künste в Мюнхене.
Луис Кристиан Гесс часто ездил к сестре в Италию, где черпал вдохновение в цветах и средиземноморском свете.
В 1928 году сблизился с Максом Бекманом. В 1929 году он присоединился к движению Juryfreie, которое возглавлял до его запрета в 1933 году национал-социалистическим режимом. Политика нацизма в отношении к художникам привела Гесса к добровольному изгнанию.
Грегори Джозеф Гиллеспи (англ. Gregory Joseph Gillespie) — американский художник-магический реалист.
Гиллеспи стал известен благодаря тщательно написанным фигуративным картинам, пейзажам и автопортретам, часто с фантастическим элементом. Многие из его ранних работ были сделаны путем раскрашивания фотографий, вырезанных из газет или журналов, преобразуя сцены с помощью фотоколлажа и добавляя воображаемые элементы. В своих поздних работах он отказался от своего раннего увлечения созданием гиперреалистичных образов, вместо этого сосредоточившись на более свободном и экспрессивном стиле. Он часто комбинировал средства массовой информации неортодоксальным образом, создавая ассамбляжи, похожие на святилища.
Работы Гиллеспи находятся в коллекциях Музея Уитни, Центра искусств Арканзаса, Института американского искусства Батлера и других.
Рольф Гит (нем. Rolf Gith) — немецкий художник, рисовальщик и дизайнер. Он изучал живопись в Университете изящных искусств в Гамбурге. Занимался преподавательской деятельностью в разных высших учебных заведениях. Гит является членом ассоциации художников Германии.
Рольф Гит работал в разных жанрах: увлекался обнаженной натурой, рисовал портреты окружающих его людей, а также многочисленные автопортреты. С 1996 года центральными темами в его творчестве становятся цвет и свет.
Николай Петрович Глущенко — украинский и советский живописец, чьё имя прочно ассоциируется с уникальным художественным стилем, сформировавшимся под влиянием фовистов и школы "Наби" в Париже и Берлине. Он также известен своей деятельностью в советской разведке, причём о его работе на СССР стало известно только после его смерти. Глущенко был награждён званиями Народного художника СССР и Украинской ССР, а также Государственной премией имени Т. Г. Шевченко за серии живописных произведений.
Его произведения отличаются яркими красками и свободными широкими мазками, характерными для его ранних работ, но в советский период он был вынужден адаптировать свой стиль к социалистическому реализму. Среди его известных работ - "Игроки в карты", "Март на Днепре", "Киевская осень", "Оттепель" и серия "12 ню".
Глущенко вел активную общественную и творческую жизнь, был центром внимания благодаря своему артистизму, обаянию и спортивной статуре. Его карьера разведчика не прекращалась даже после возвращения в Советский Союз, где он организовывал выставки и продолжал заниматься художественной деятельностью.
Приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Николаем Петровичем Глущенко. Подписка позволит вам быть в курсе новых продаж произведений художника и предстоящих аукционных событий.
Наталья Сергеевна Гончарова, русская художница-авангардистка, родилась в 1881 году. Она известна своими работами в таких стилях как кубофутуризм и лучизм. Училась в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, где её наставником был К. А. Коровин. Влияние Михаила Ларионова, будущего мужа Гончаровой, оказалось решающим в её переходе от скульптуры к живописи.
С 1906 года Гончарова активно участвует в художественной жизни, принимая участие в выставках в России и за рубежом. Её работы отличались экспериментальным подходом к цвету и форме, а также использованием мотивов русского фольклора и иконописи. Сама художница не признавала ограничений в искусстве, работая в различных направлениях от импрессионизма до футуризма и примитивизма.
Её первая персональная выставка в 1913 году вызвала скандал из-за обвинений в порнографии, однако уже на следующий день Гончарова была оправдана. Эта выставка принесла ей широкую известность и изменила отношение к авангардному искусству в целом. В Третьяковской галерее хранятся несколько её работ.
Коллекция Русского музея включает 13 произведений Гончаровой, среди которых такие работы, как "Беление холста", "Борцы", "Натюрморт с портретом и белой скатертью" и другие.
Если вы коллекционер или эксперт в области искусства и антиквариата и хотите узнавать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с Натальей Сергеевной Гончаровой, подписывайтесь на наши обновления.
Ганс Гофман (нем. Hans Hofmann) был выдающимся немецко-американским художником, чье имя заняло заметное место в мире современного искусства. Его талант проявился не только в живописи, но и в педагогике, где он оставил значительный след, обучая будущие поколения художников. Работы Гофмана отличаются яркостью цвета, смелым использованием форм и экспрессивностью, что сделало его одним из пионеров абстрактного экспрессионизма.
Ганс Гофман родился в Германии, но большую часть своей жизни провел в Соединенных Штатах, где и развивал свой уникальный стиль. Он смог соединить европейское искусствоведение с американской инновационностью, что сделало его творчество по-настоящему уникальным. Гофман активно экспериментировал с цветом и формой, исследуя их взаимодействие и влияние на восприятие композиции.
Его работы находятся во многих известных музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства (MoMA) и Метрополитен-музей в Нью-Йорке. Эти произведения привлекают внимание не только искусствоведов, но и коллекционеров, стремящихся добавить в свои собрания работы великого мастера.
Для тех, кто интересуется искусством и хотел бы узнавать о новых продажах произведений Ганса Гофмана или аукционных событиях, связанных с его творчеством, предлагаем подписаться на наши обновления. Мы обещаем делиться только самой актуальной информацией, касающейся продаж и аукционов, где будут представлены работы этого выдающегося художника.
Вальтер Граматте (нем. Walter Gramatté) — немецкий художник.
Во время Первой мировой войны служил в армии. С 1919 г. участвовал в художественной жизни Берлина, был близок к Эриху Хеккелю. 31 декабря 1920 года женился на пианистке и скрипачке Соне Фридман, жил с ней в Берлине и (в 1924—1926 гг.) в Барселоне, оформил её балет «Цыганка». Рисовал маслом и акварелью испанские пейзажи (Барселона, Гранада, Альмерия, Кадис) в стилистике, переходящей от экспрессионизма к магическому реализму. Много работал в области ксилографии, литографии, рисунка, оставил около 200 автопортретов и 120 этюдов своей жены. Умер от туберкулёза.
Борис Дмитриевич Григорьев — знаменитый русский художник, чьё творчество оставило неизгладимый след в истории мирового искусства начала XX века. Родившись в 1886 году, с ранних лет Григорьев проявил ярко выраженный талант к живописи, что позволило ему уже в юности успешно копировать произведения известных художников. Несмотря на желание отца видеть сына коммерсантом, Григорьев посвятил свою жизнь искусству, обучаясь в Строгановском училище и позже в Академии художеств в Петербурге.
Живописец известен своими графическими и живописными циклами, в которых он стремился соединить изображение с текстом, создавая уникальный вид "экспонирования" в книге. Его работы, такие как издания циклов "Intimité" и "Расея", показывают глубокое понимание и любовь к русской культуре и народу, отражая повседневную жизнь русской деревни и её жителей с невероятной искренностью и мастерством.
Григорьев также был известен своими портретами, в которых часто использовал гротеск, чтобы раскрыть внутренний мир изображаемых личностей. Среди наиболее знаковых его работ - портреты М. Горького и В. Э. Мейерхольда, которые демонстрируют не только внешнее сходство, но и глубокий психологический портрет персонажей.
После революции 1917 года Григорьев был вынужден покинуть Россию, и большую часть своей жизни провёл за границей, в Европе и США, где продолжал работать и создавать произведения, вдохновляющие на размышления о судьбах России и её культуре.
Его работы находятся в музеях и частных коллекциях по всему миру, продолжая привлекать внимание искусствоведов и коллекционеров. На протяжении всей своей карьеры Григорьев оставался верен своему стилю, отличающемуся глубоким лиризмом и острой социальной направленностью, что делает его одним из наиболее выдающихся представителей русского искусства первой половины XX века.
Если вас интересует творчество Бориса Дмитриевича Григорьева и вы хотите узнавать о новых выставках его работ, продажах и аукционах, подписывайтесь на наши обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и открыть для себя уникальное наследие этого выдающегося художника.
Освальдо Гуаясамин (исп. Oswaldo Guayasamín) — эквадорский художник, монументалист и скульптор.
Отец Освальдо был индейцем, и семья была очень бедная, но будущий художник получил образование в Школе изящных искусств города Кито. Вскоре буквально за два года он создал цикл из 103 картин, посвященный жизни угнетаемых индейцев Латинской Америки. Освальдо Гуаясамин писал также портреты известных современников, включая Фиделя Кастро, которым он восхищался. Он создавал и стенописи, фрески, пейзажи, символические образы.
Произведения художника, кроме других городов мира, выставлялись в Париже, Москве и в Ленинграде, имея потрясающий успех. В 1957 году на Четвертой биеннале в Сан-Паулу он был назван лучшим южноамериканским художником.
Гуаясамин был также страстным коллекционером. В 1978 году известный уже тогда художник передал в дар государству Эквадор собранные им около 500 картин и скульптур колониального периода, археологические памятники доколумбового периода, картины Гойи и Пикассо.
Рудольф Гудден (нем. Rudolf Gudden) — немецкий живописец и рисовальщик, пионер немецкого модернизма, член Немецкой ассоциации художников.
Он получил художественное образование в Мюнхенской академии и в Академии Карслруэ. Гудден писал пейзажи, портреты и бытовые сценки в новом тогда стиле модерна.
Курт Гюнтер (нем. Kurt Günther) — немецкий живописец и график, известный своими экспрессионистскими работами.
В 1920-х и 1930-х годах Гюнтер разработал уникальный стиль, сочетающий элементы экспрессионизма и сюрреализма. В его работах часто появлялись искаженные фигуры и мечтательные пейзажи, он часто использовал яркие цвета и смелые, графические формы.
Несмотря на относительно короткую карьеру, творчество Гюнтера оказало значительное влияние на развитие немецкого модернизма. Его картины и гравюры хранятся в коллекциях по всей Германии.
Элин Даниельсон-Гамбоджи (фин. Elin Danielson-Gamboji), полное имя Элин Клеопатра Даниельсон-Гамбоджи (Elin Kleopatra Danielson-Gambogi) — финско-шведская художница.
Она является представителем «золотого века» финского искусства периода 1880-1910 годов и принадлежала к первому поколению финских художниц, получивших профессиональное художественное образование. Элин писала женские портреты и жанровые сцены в стиле французского реализма и натурализма.
Леон Мари Констан Дансарт (Léon Marie Constant Dansaert) — выдающийся бельгийский художник и иллюстратор. Его творчество оставило значительный след в мировой искусствоведческой и художественной истории благодаря уникальному стилю и мастерству живописца.
Леон Мари Констан Дансарт славился своими портретами и жанровыми сценами, которые отличались глубоким психологическим пониманием моделей. В его работах отчетливо прослеживается стремление передать не только физическое сходство, но и внутренний мир изображаемых личностей.
Жюль де Брёйкер (нидерл. Jules de Bruycker) — бельгийский художник. Работал в технике акварели, графики, офорта. Художественный талант Жюля проявился в раннем возрасте и он начал изучать живопись в Академии изящных искусств. Четыре года спустя он прекратил посещать художественные классы и присоединился к семейному бизнесу. После девятилетнего перерыва снова поступил в Гентскую академию. Впервые выставил свои работы на Гентском салоне в 1903 году. Тогда правительство купило его акварель «Тряпичный рынок» (Voddenmarkt). С 1906 года начал работать в технике офорта. В 1914-1919 году жил в Лондоне, после чего вернулся в Гент. Родной город стал важным объектом его творчества. Он неоднократно изображал городские пейзажи и памятники архитектуры, в особенности — церковь Святого Николая и Замок графов Фландрии, рядом с которыми жил в детстве. О его интересе к архитектуре свидетельствует созданная им серия офортов с изображениями соборов Фландрии и Франции. В то же время в творчестве Де Брёйкера уделяется внимание бедным «маленьким» людям. Героями его работ были бедняки, старики, уличные дети, а также среда их повседневной жизни — бедные районы, блошиные рынки.
Морис де Вламинк (фр. Maurice de Vlaminck), французский живописец, музыкант и писатель, зарекомендовал себя как один из ключевых фигур фовизма, направления, отличающегося ярким, экспрессивным использованием цвета. Родившийся в Париже, Вламинк в значительной степени был самоучкой, что не помешало ему оставить заметный след в истории искусства. Свою творческую карьеру он начал под влиянием произведений Ван Гога, что определило его ранние эксперименты с цветом и формой.
Интерес Вламинка к фовизму объясняется его стремлением к инновациям в искусстве, а также желанием выражать эмоции через смелое использование цвета. На протяжении своей карьеры художник экспериментировал с различными стилями, включая кубизм, однако всегда возвращался к более традиционным, экспрессивным методам живописи. Вламинк также пробовал себя в различных жанрах, создавая акварели, ксилографии и литографии, которые, как и его картины, отличались выразительным стилем.
Среди его известных работ можно выделить "Голубой дом" (1906, Институт искусств Миннеаполиса) и "Пейзаж с красными деревьями" (1906, Национальный музей современного искусства, Париж), демонстрирующие его мастерство в работе с цветом и способность передавать динамику и эмоциональное состояние природы.
Морис де Вламинк оставил значительный след в истории искусства, не только благодаря своему вкладу в развитие фовизма, но и благодаря уникальному стилю, который продолжает вдохновлять художников по всему миру. Его произведения хранятся во многих известных музеях и галереях, в том числе в музее Орсе и Национальном музее современного искусства в Париже.
Мы приглашаем коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата подписаться на обновления, связанные с Морисом де Вламинком, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных мероприятиях. Подписка позволит вам быть в курсе самых последних событий и возможностей, связанных с работами этого выдающегося художника.
Джузеппе Мария Альберто Джорджо де Кирико (итал. Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico), более известный как Джорджо де Кирико, является выдающимся итальянским художником, чьё имя неразрывно связано с метафизической живописью. Его уникальный стиль отличается использованием странных, мечтательных пейзажей, наполненных таинственной атмосферой, которая заставляет зрителя задуматься о глубине бытия и внутреннем мире человека. Де Кирико родился в Греции, но всю свою жизнь тесно связывал с Италией, где и получил основное образование и вдохновение для своих работ.
С самого начала своей карьеры Де Кирико стремился к инновациям в искусстве, создавая произведения, которые выходили за рамки привычного восприятия живописи. Его картины, такие как «Загадочный посланник» и «Песни любви», характеризуются игрой света и тени, а также присутствием классических архитектурных элементов, которые создают ощущение вне времени. Эти работы не просто демонстрируют мастерство художника в области живописи, но и открывают новые горизонты для понимания субъективного опыта реальности.
Де Кирико оставил неизгладимый след в истории искусства, оказав влияние на многих художников 20-го века, включая представителей сюрреализма. Его работы сегодня можно увидеть в ведущих музеях мира, таких как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне, где они продолжают вдохновлять новые поколения художников и любителей искусства.
Джорджо де Кирико - это фигура, символизирующая поиск новых форм и смыслов в искусстве, его творчество является мостом между прошлым и будущим, предлагая зрителям не просто любоваться красотой, но и размышлять о загадках человеческого существования. Мы приглашаем всех, кто интересуется культурой и искусством, подписаться на наши обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Джорджо де Кирико. Ваша подписка откроет вам двери в мир высокого искусства, где прошлое встречается с будущим.
Сельма де Кудр / Плавник (нем. Selma Des Coudres / Plawneek) — немецкая художница латвийского происхождения, сочетала в своих работах элементы модерна, экспрессионизма и японизма. После учебы у Элизы Юнг-Стиллинг стала учителем и продолжила художественное образование у Яниса Розенталя и Вильгельма Пурвитиса. Иллюстрировала книги и участвовала в выставках в Риге, Мюнхене и других городах. Выйдя замуж за Адольфа де Кудра, поселилась в Фюрстенфельдбруке, где стала соучредителем Kunstverein Fürstenfeldbruck. Чтобы обеспечить себя финансово, сосредоточилась на портретах и цветочных натюрмортах.
Робер Делоне (фр. Robert Delaunay) был выдающимся французским художником, чьё имя тесно связано с развитием орфизма, направления в живописи, отмеченного ярким использованием цвета и геометрических форм. Родившийся в Париже в 1885 году, Делоне начал свою карьеру под влиянием постимпрессионистов и Сезанна, стремясь к исследованию динамических качеств цвета. Совместно с женой Соней, он внёс значительный вклад в развитие абстрактной живописи, отказавшись от идеалистической метафизики в пользу исследования художественного языка.
Одной из важных черт творчества Делоне было его убеждение в том, что цвет может служить не только средством "раскрашивания", но и основным элементом живописи, способным передавать форму, глубину и композицию. Это привело к созданию серии работ "Окна", где художник экспериментировал с цветовыми контрастами и одновременным восприятием живописи.
Творчество Делоне нашло отражение во многих крупных музеях мира, включая Музей Тиссен-Борнемиса в Мадриде, где находится его знаменитая работа "Португалка". Среди других известных произведений - "Эйфелева башня", "Симультанные окна" и "Ритм", демонстрирующие его новаторский подход к использованию цвета и формы.
Делоне не только создал выдающиеся произведения искусства, но и оставил после себя теоретические работы, которые продолжают вдохновлять художников и теоретиков искусства. Его связь с движением "Синий всадник" и переписка с такими мастерами, как Кандинский, подчёркивают значимость его вклада в развитие абстракционизма.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата, изучение наследия Робера Делоне открывает новые горизонты понимания эволюции современного искусства. Его работы продолжают вызывать восхищение своей яркостью, динамикой и неординарным видением мира.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Робером Делоне. Ваша подписка станет ключом к миру высокого искусства и даст возможность первыми узнавать о редких и ценных произведениях, связанных с этим выдающимся художником.
Феликс дель Марле (фр. Felix del Marle) — французский художник и дизайнер, связанный с авангардными движениями начала XX века, в частности, с орфизмом и De Stijl. Первоначально он находился под влиянием кубизма, но позже принял принципы орфизма, движения, основанного Робером Делоне и характеризующегося использованием ярких цветов и геометрических форм для создания абстрактных композиций.
Феликс дель Марле исследовал динамичное взаимодействие цветов и форм, чтобы вызвать ощущение ритма и движения. В его работах часто присутствуют перекрывающиеся плоскости, смелые цветовые контрасты и ощущение оптической вибрации.
Феликс дель Марле также оказал значительное влияние на движение De Stijl, которое стремилось свести искусство к его основным геометрическим элементам и цветам. Он сотрудничал с Питом Мондрианом и Тео ван Дусбургом.
Помимо живописи, дель Марле занимался промышленным и графическим дизайном, применяя свои принципы для создания мебели, текстиля и типографики. Он верил в интеграцию искусства в повседневную жизнь и синтез художественных дисциплин.
Жан-Жозеф Дельвин (фр. Jean-Joseph Delvin) — бельгийский художник, специализировался на сценах с животными (преимущественно лошадьми). Посещал Королевскую академию изящных искусств в Генте, где учился у Теодора-Жозефа Каннеля, и работал в студии Жана Портаэлса в Брюсселе. Позже он предпринял учебные поездки во Францию и Испанию. В течение многих лет делил небольшую мастерскую с Гюставом Ден Дуйтсом. В 1883 году его пригласили присоединиться к художественной группе Les XX, но он покинул ее через несколько лет. Дельвин также был членом групп La Libre Esthétique и Kunst van Heden («Искусство для сегодняшнего дня») в Антверпене. Примерно в это же время начал преподавать в Академии в Генте, а затем стал ее директором.
Фриц Дишер (нем. Fritz Discher) — немецкий живописец-пейзажист.
Дишер сначала получил образование инженера-механика, а затем обучился живописи в Королевском университете изящных искусств в Шарлоттенбурге. В 1909 году Дишер стал работать преподавателем-специалистом в Муниципальном торговом зале в Берлине, и параллельно он продолжал живописную деятельность. С 1924 года у него была собственная студия портретиста-фрилансера.
Доктор Атль (исп. Dr. Atl) — псевдоним мексиканского писателя и художника Херардо Мурильо (исп. Gerardo Murillo). Наиболее известен исследованиями вулкана Парикутин: выкупив земли, на которых он возник, художник выполнил более 11 000 рисунков и 1000 пейзажей маслом.
Франц Долль — немецкий живописец, рисовальщик и график. Cпециализировался на портретной живописи и пейзажах. Создал многочисленные портреты известных личностей. Работы художника находятся в Staatliche Graphische Sammlung в Мюнхене. С 1938 по 1947 год был профессором Дюссельдорфской академии художеств. В 1928 году удостоен Художественной премии города Мюнхена, в 1930 году — премии Альбрехта Дюрера города Нюрнберга и в 1940 году — медали Гёте. Был членом мюнхенского Нового сецессиона с 1930 года, с 1946 года состоял в Новой группе (преемник Нового сецессиона). Был одним из основателей Ассоциации оригинальных гравюр и членом ассоциации семи мюнхенских живописцев. В 1938 и 1943 годах принимал участие в Больших немецких художественных выставках в Мюнхене.
Катарина Зивердинг (нем. Katharina Sieverding) — немецкий фотограф чешского происхождения, известная своими автопортретами. Зивердинг живет и работает в Берлине и Дюссельдорфе. Она является почетным профессором Университета искусств в Берлине.
