Живописцы Символизм
Куно Амье (нем. Cuno Amiet) — швейцарский художник, скульптор и график. Будучи первым швейцарским художником, отдавшим предпочтение цвету в композиции, он был пионером современного искусства в Швейцарии. Принадлежит к постимпрессионистскому направлению в искусстве.
Луиза Элизабет Андре — немецкая художница-постимпрессионистка-пейзажист и акварелист. Училась у двух художников-пейзажистов – Густава Адольфа Тамма в Дрездене и Ганса фон Фолькманна. Подолгу жила на острове Хиддензее, где помогла организовать группу, известную как Hiddensoer Künstlerinnenbund, ассоциацию женщин-художников, в которую входили Клара Арнхейм, Элизабет Бюхсель, Кете Лёвенталь и Катарина Бамберг. Они были постоянными участницами арт-площадки, известной как Blaue Scheune («Голубой амбар»), основанной в 1920 году Хенни Леманн. Она также часто выставлялась с группой, известной как Kunstkaten в Аренсхупе.
Николай Андреевич Андреев, русский советский скульптор и график, заслужил широкое признание благодаря своему вкладу в искусство начала XX века. Он был членом Товарищества передвижников и прославился как мастер монументальной скульптуры и графики. Среди его наиболее известных работ - памятник Николаю Гоголю в Москве, отражающий глубокое понимание психологии и творчества великого писателя. Андреев тщательно изучал жизнь и произведения Гоголя, что позволило ему создать выразительный и эмоционально насыщенный образ.
В его творчестве заметно влияние импрессионизма и экспрессионизма, что проявляется в умении передать сложные эмоциональные состояния через форму и текстуру. Андреев также оставил заметный след в графическом искусстве, создав серию портретов известных деятелей культуры и политики, которые сегодня хранятся в коллекции Третьяковской галереи.
Для любителей искусства и коллекционеров, интересующихся русским монументальным искусством начала XX века, работа Николая Андреевича Андреева представляет особенный интерес. Его творчество является свидетельством эпохи и отражает глубокие социальные и личные поиски художника в период значительных исторических перемен.
Приглашаем подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных мероприятий, связанных с Николаем Андреевичем Андреевым. Это уникальная возможность прикоснуться к истории русского искусства и обогатить вашу коллекцию значимыми работами.
Борис Израилевич Анисфельд (урожд. Бер Срулевич), родившийся в Бельцах, Бессарабии, был выдающимся художником и сценографом, оставившим заметный след в искусстве России и США. Получив образование в Одесском художественном училище и петербургской Академии художеств, он сотрудничал с такими знаменитыми личностями, как Сергей Дягилев и Анна Павлова, оформляя спектакли и балеты, что принесло ему международное признание.
С 1917 года Анисфельд переехал в США, где продолжил свою деятельность в театре и живописи, оставаясь верным своему уникальному стилю, сочетающему в себе элементы экспрессионизма и символизма. Его работы, отличающиеся глубиной цвета и эмоциональной насыщенностью, экспонируются в многих музеях, включая Бруклинский музей в Нью-Йорке и Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан.
Анисфельд оставался активным и в области образования, преподавая в Художественном институте Чикаго с 1928 по 1957 год. Его подход к обучению подчеркивал важность эмоционального восприятия и выражения в искусстве, что вдохновляло многих студентов.
Приглашаем всех, кто интересуется искусством и антиквариатом, подписаться на обновления и не пропустить уникальные экспозиции и аукционы, посвященные этому выдающемуся художнику.
Анатолий Афанасьевич Арапов — выдающийся русский живописец, акварелист, график и театральный художник, родившийся в Санкт-Петербурге 21 ноября 1876 года. Обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества с 1897 по 1906 годы заложило основу его художественному мастерству. Арапов активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы экспонировались на многих выставках, включая знаменитую "Голубую розу".
Творчество Арапова отличает утонченное чувство стиля и глубокое понимание композиции. Его работы находятся в ведущих музеях России, таких как Государственная Третьяковская галерея, Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева и Ярославский художественный музей, а также в частных коллекциях.
Среди известных работ Арапова - картины "Закат. Истра", "Большак" и "Река Истра", созданные в 1940 году. Эти произведения характеризуются живописной техникой и ярко выраженным чувством красоты природных ландшафтов.
За свою жизнь Арапов внес значительный вклад в развитие русского искусства, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру. Его талант и мастерство признаны не только в России, но и за ее пределами.
Если вас интересует искусство Анатолия Афанасьевича Арапова и вы хотите узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с его творчеством, подпишитесь на обновления. Это отличная возможность погрузиться в мир русского искусства и прикоснуться к наследию одного из его ярких представителей.
Арнольд Бёклин (нем. Arnold Böcklin) — известный швейцарский художник XIX века, один из основоположников символизма, создавший новую эстетику в европейском изобразительном искусстве и виртуозно объединивший в произведениях разные стили: романтизм, классицизм, барокко. Творчество Арнольда Бёклина, как и биография мастера, отходит от исторических тривиальностей. Его картины, яркие и контрастные, сочетают возвышенное и смешное, вызывают резонанс с внутренним воображением зрителя.
Василий Васильевич Беляшин, российский художник, график и живописец Серебряного века, оставил заметный след в истории русского искусства. Родился в 1874 году в Виленской губернии, он начал своё обучение в Московском училище живописи, ваяния и зодчества под руководством В. А. Серова, а затем продолжил образование в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств. Его талант был отмечен уже в студенческие годы: за этюд он получил малую серебряную медаль и звание неклассного художника.
Беляшин активно участвовал в художественной жизни того времени, его работы были представлены на Весенних выставках и выставках Товарищества художников, а также в различных журналах, таких как «Новое время» и «Вершины». Его иллюстрации и живописные произведения пользовались успехом и признанием среди современников.
Произведения Василия Васильевича находятся в ведущих музейных собраниях, включая Государственную Третьяковскую галерею и Государственный Русский музей, что свидетельствует о высокой оценке его вклада в искусство. Это делает его творчество значимым не только для истории русского искусства, но и для коллекционеров и исследователей.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, произведения Беляшина представляют особенную ценность. Его уникальный стиль и вклад в развитие живописи и графики делают его одним из выдающихся художников своего времени. Чтобы узнать больше о его работах и возможностях приобретения, рекомендуем подписаться на обновления и уведомления о продажах и аукционных мероприятиях, связанных с Василием Васильевичем Беляшиным.
Эжен Берман (фр. Eugène Berman) — американский художник и сценограф русского происхождения, связанный с движениями сюрреализма и неоромантизма.
Работы Эжена Бермана часто изображали мечтательные пейзажи, архитектурные сооружения и загадочные фигуры. Берман был известен своим тщательным вниманием к деталям, богатой цветовой палитрой и ощущением театральности в своих композициях.
В своих картинах Берман создавал мир поэтической и таинственной атмосферы, вызывая чувство меланхолии и самоанализа. Его сюжеты часто включали мифологические или аллегорические фигуры, руины и сценические декорации. Его работы имели сюрреалистическое качество, смешивая реальность и воображение.
Эжен Берман также внес значительный вклад в создание декораций для театральных постановок, особенно в сотрудничестве со своей женой, Леонорой Каррингтон, известной художницей-сюрреалисткой. Их совместное художественное видение привносило на сцену сюрреалистические и фантастические элементы, усиливая общее театральное впечатление.
Эмиль Бернар (фр. Émile Bernard) — французский художник, известный своими экспериментами с различными стилями живописи. Он работал в период постимпрессионизма, создавая произведения, которые объединяли смелые формы, разделенные темными контурами, что позже стало называться клуазонизмом.
Он был частью группы художников Понт-Авен и развивал идеи синтетизма вместе с Полем Гогеном. Синтетизм, который они разрабатывали, отличался яркими цветами и сплошными линиями, что делало его противовесом французскому импрессионизму и дивизионизму.
Многие из работ Бернара выставлены в музеях и частных коллекциях по всему миру, включая его «Желтый Христос», который находится в Художественном музее Индианаполиса. В течение своей карьеры он путешествовал по Египту, Испании и Италии, что привело к расширению его художественного стиля.
Если вы хотите узнать больше о работах Эмиля Бернара и других художников его времени, подпишитесь на наш список рассылки, чтобы получать уведомления о предстоящих продажах и аукционных событиях. Это позволит вам быть в курсе последних новостей о новых произведениях искусства, выставках и других интересных событиях, связанных с Эмилем Бернаром.
Борис Георгиевич Биргер — советский художник второй половины ХХ века еврейского происхождения. Он известен как живописец-портретист, представитель «неофициального искусства», последователь символизма.
Борис Биргер разработал свой индивидуальный стиль портретной живописи, узнаваемый по колористике. Он часто изображал представителей либеральной творческой интеллигенции и был дважды исключен из Союза художников СССР из-за критики официальной культурной политики.
В 1970-х годах его работы получили признание за рубежом, особенно в Германии, и с 1990 года он жил в этой стране.
Уильям Блейк (англ. William Blake) — знаменитый английский художник эпохи Романтизма XVIII-XIX веков, произведения которого будоражат фантазию, отображая хаос и противоречие окружающего мира. Картины Уильяма Блейка не похожи на другие творения той эпохи: живописец не следовал за модой. Художник использовал акварель и бумагу вместо привычных масла и холста. Блейк отображал в своих произведениях собственное видение мира. Популярные на тот момент пейзажи и портреты его не особо интересовали. Чаще художник запечатлевал исторические моменты и сюжеты из Библии. Творчество Уильяма Блейка современники не понимали. Одни считали его безумцем, другие и вовсе игнорировали. Лишь спустя долгое время после смерти живописца люди начали смотреть на его картины иначе, разгадывая их смысл.
Детлеф Конрад Блунк (нем. Detlev Conrad Blunck) — немецко-датский художник первой половины XIX века. Он известен как живописец и график.
Детлеф Блунк в начале своей карьеры специализировался в основном на исторической живописи, затем он перешёл к бытовому жанру и вошёл в ряды мастеров бытового реализма. Позже Блунк посвятил своё творчество религиозным мотивам и разработал собственный стиль живописи, который сильно отражал влияние движения назареев — немецких художников-романтиков.
Константин Фёдорович Богаевский был русским художником, известным своими символистскими пейзажами. Родившись в 1872 году в Феодосии, он прославился благодаря своему уникальному видению природы и мастерству воплощения мечты в реальность на холсте. Специфический стиль Богаевского выделяется необычным освещением и экспрессивным небом, вдохновлённым работами Бёклина и Климта. Его картины, такие как "Последние лучи", "Старый Крым", "Древняя крепость", отражают глубокую связь художника с крымскими пейзажами и античной историей региона.
Богаевский активно участвовал в художественной жизни начала XX века, будучи членом "Мира искусства" и Союза русских художников. Его работы выставлялись на множестве значимых выставок, в том числе на организованной Сергеем Дягилевым экспозиции русского искусства. Визит в Италию в 1911 году оказал сильное влияние на творчество Богаевского, вдохновив его на создание серии работ, где он исследовал темы археологического пейзажа и маньеризма.
В своём творчестве Константин Фёдорович обращался к философским темам одиночества и малости человека, что нашло отражение в его символистских пейзажах. Во время работы на Днепрострое он создал ряд знаменитых рисунков и акварелей, а также спас несколько произведений Айвазовского во время гражданской войны.
Многие произведения Богаевского сегодня можно увидеть в ведущих музеях России, включая Государственный Русский музей, демонстрирующие его вклад в развитие русского и советского искусства. Его творчество остаётся вдохновением для последующих поколений художников.
Подписывайтесь на наши обновления, чтобы не пропустить новости о продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Константином Фёдоровичем Богаевским.
Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов — выдающийся русский художник, чье имя занимает особое место в культуре и искусстве на рубеже XIX-XX веков. Его творчество отличается глубоким символизмом и поэтичностью, что делает его произведения уникальными в российской живописи.
Борисов-Мусатов родился в 1870 году и с ранних лет проявил интерес к изобразительному искусству. Поездки по Европе и обучение в Париже оказали значительное влияние на его стиль, в котором соединились элементы импрессионизма и модернизма. Особенностью его работ является стремление к гармонии и идеализации, что видно в таких известных картинах, как «Призраки» и «Водоём».
Его произведения находятся в ведущих музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей, где каждый посетитель может насладиться утонченностью и красотой его живописи. Борисов-Мусатов оставил после себя наследие, которое продолжает вдохновлять художников и ценителей искусства по всему миру.
Важность его работы для культуры и искусства трудно переоценить. Борисов-Мусатов не просто создавал картины; он вносил в живопись новые тенденции, объединяющие русский национальный колорит с европейскими художественными традициями.
Если вы интересуетесь искусством и хотели бы получать обновления о продажах новых продуктов и аукционных событиях, связанных с Виктором Эльпидифоровичем Борисовым-Мусатовым, подпишитесь на наши уведомления. Мы обещаем отправлять только актуальную и интересную информацию, которая позволит вам оставаться в курсе последних новостей в мире искусства.
Джоан Браун (англ. Joan Brown) — американская художница из Северной Калифорнии. Она была частью второго поколения фигуративной живописи Области залива.
Браун стала известной благодаря своим картинам, которые были яркими, иногда карикатурными и содержали личную символику.
Ойген Феликс Проспер Брахт (нем. Eugen Felix Prosper Bracht) — немецкий художник, мастер пейзажной и исторической живописи, профессор.
Ойген Брахт учился в Академии изящных искусств Карлсруэ. Как «свободный художник» он вступает в дюссельдорфский творческий союз Malkasten «Палитра художника» и находился под влиянием пейзажиста Освальда Ахенбаха, преподававшего в дюссельдорфской Академии.
В 1912 году Брахт был награждён Большой золотой медалью «За заслуги в области искусства» великого герцогства Гессен. Участник многочисленных художественных выставок как в Германии, так и за её пределами.
Йонас Бургерт (нем. Jonas Burgert) — немецкий художник-фигуративист, живет и работает в Берлине.
Йонас Бургерт окончил Академию изящных искусств в Берлине и учился в аспирантуре (Meisterschueler) у профессора Дитера Хакера в Берлине, и его творчество с самого начала отличалось своей яркой самобытностью.
Живописные полотна Бургерта заполнены фантастическими фигурами самых невообразимых пропорций. В пространствах его панорамных картин человек погружается в визуальный хаос повествовательных слоев, среди загадочных событий, странных фигур и существ. В широкоформатных картинах Йонаса Бургерта преобладают гротеск, причудливость и сюрреалистичность. Кошмарные фигуры, похожие на зомби, вторгаются в его живописные миры, пугающие и притягательные одновременно.
С 1998 г. его работы участвовали в многочисленных групповых выставках по всему миру, Йонас Бургерт в настоящее время очень успешен и его произведения очень охотно приобретают многие галереи.
Ансельмо Буччи (итал. Anselmo Bucci) — итальянский художник: живописец и гравёр, писатель, один из основателей неоклассического течения в итальянском искусстве начала XX века — Новеченто.
Ансельмо Буччи учился живописи в Венеции и Академии Брера в Милане. С 1906 по 1914 года жил в Париже, где присоединился к Groupe libre — группе художников, принимавших отход от академических канонов, но не разделявших идей авангардизма.
Ансельмо Буччи — художник-модернист, символист с ярко выраженными фовистскими чертами. Создал ряд монументальных работ, так и небольших картин лирического толка.
Наряду с живописью, занимался активной литературной деятельностью. В 1930 году стал одним из первых лауреатов престижной литературной премии Виареджо.
Эмиль Рудольф Вайсс (нем. Emil Rudolf Weiss) — немецкий живописец, типограф, графический дизайнер и поэт.
Вайсс учился в Академии изящных искусств Карлсруэ, затем в Академии Жюлиана, выпустил свой первый сборник стихов. В 1895 году он начал свою деятельность в области книжного искусства с разработки шрифтов для художественного журнала «Пан». Он также работал над оформлением и иллюстрированием различных изданий. В 1907 году он присоединился к Берлинскому сецессиону.
Первые графические работы Вайсса находились под влиянием символизма и югендстиля, а также работ Эдварда Мунка и Феликса Валлоттона. С 1910 года Вайсс все больше определяет себя как живописец, создавая натюрморты, портреты, пейзажи и жанровые сцены. Вайсс разработал множество шрифтов и дизайн монет. В 1907-33 годы Вайсс одновременно с творческой деятельностью преподавал в берлинской Кунстгевербешуле, которая с 1924 г. была объединена с Государственной высшей школой искусств. С 1920-х годов Эмиль Рудольф Вайс был представителем галереи Флехтхайм.
Нацистский режим подверг Эмиля Вайсса гонениям, запретив его картины, а также преподавать, и в 1942 году он умер от сердечного приступа.
Сюзанна Валадон (фр. Suzanne Valadon) была выдающейся французской художницей, известной своим неповторимым стилем и вкладом в искусство. Родившись в простой семье, она начала свою карьеру как модель для таких знаменитостей, как Пьер-Огюст Ренуар и Анри де Тулуз-Лотрек, а затем, под влиянием и поддержкой Эдгара Дега, обратилась к собственному творчеству. Валадон известна своими смелыми и честными изображениями женского обнаженного тела, что было необычно для женщины-художника того времени. Ее работы отличаются яркой палитрой и сильным композиционным чувством, а также уникальным способом изображения женской натуры, что делает ее одной из самых значимых фигур в истории искусства.
Произведения Валадон находятся в крупнейших музеях мира, включая Метрополитен-музей и Центр Помпиду. Ее творчество оказало значительное влияние на развитие искусства начала XX века, обогащая его новыми формами и идеями. Сюзанна Валадон не только разрушила стереотипы о женском творчестве, но и доказала, что женщина может быть успешной и признанной художницей.
Одним из наиболее известных произведений Валадон является картина "Веселье жизни" (1911 год), которая хранится в Метрополитен-музее. Эта картина является ярким примером ее умения передать глубокие эмоции и чувства через изображение обнаженной натуры. Валадон также знаменита своими автопортретами, в которых она не боялась показывать свою личность и внутренний мир.
Ее жизненный путь, полный трудностей и вызовов, вдохновляет многих художников и искусствоведов по всему миру. Сюзанна Валадон оставила неизгладимый след в истории искусства, ее творчество и сегодня вызывает восхищение и уважение среди коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата.
Приглашаем вас подписаться на обновления, связанные с Сюзанной Валадон, чтобы быть в курсе новых продаж произведений и аукционных мероприятий, посвященных этой выдающейся художнице. Это уникальная возможность погрузиться в мир культуры и искусства, открывая для себя новые грани творчества Сюзанны Валадон.
Виктор Михайлович Васнецов, выдающийся русский художник, оставил заметный след в культуре и искусстве своего времени. Родившийся в семье священника, Васнецов изначально направлялся на духовное образование, однако встреча с художником Эльвиро Андриолли полностью изменила его жизненный путь. По совету Андриолли, Васнецов отправился в Санкт-Петербург, чтобы поступить в Академию художеств, что и определило его будущую судьбу художника.
Васнецов был тесно связан с движением передвижников и получил признание благодаря своим бытовым сюжетам, таким как «С квартиры на квартиру». Однако его истинное призвание проявилось в обращении к историческим и былинным темам, что принесло ему славу как создателю неорусского стиля в живописи. Картины «Богатыри», «Алёнушка», «Иван-Царевич на Сером Волке» и многие другие стали культовыми образами русской культуры.
Особое место в его творчестве занимают работы на религиозные темы, в том числе росписи для Владимирского собора в Киеве и храма Спаса на Крови в Санкт-Петербурге. Эти произведения демонстрируют его мастерство в области монументальной живописи и глубокое понимание религиозной тематики.
Васнецов также оказал влияние на другие виды искусства, включая архитектуру, где он выступил автором проекта фасада Третьяковской галереи. Несмотря на трудности последних лет жизни, Васнецов продолжал творить, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает вдохновлять новые поколения художников и ценителей искусства.
Его работы хранятся в многих музеях и галереях по всему миру, а его вклад в русскую культуру и искусство остается неоценимым. Приглашаем всех, кто интересуется русским искусством и культурой, подписаться на обновления и не пропустить новые продажи произведений и аукционы, связанные с Виктором Михайловичем Васнецовым.
Жюль Венгель (фр. Jules Wengel), полное имя Юлиус Виельм Людвиг Венгель (Julius Wihelm Ludwig Wengel) — французский художник и иллюстратор немецкого происхождения. Он писал в различных жанрах, включая портреты, пейзажи и религиозные произведения. Многие его картины выполнены акварелью, а в иллюстрациях были элементы символизма и мистики.
Маргарита Вербокховен (фр. Marguérite Verboeckhoven) — бельгийская художница, известная своими морскими пейзажами. Она получила образование в богатой и культурной среде. Училась у Эрнеста Блан-Гарена, который специально открыл мастерскую для женщин и девушек. Впоследствии стала преподавателем в мастерской Эрнеста Блан-Гарена. В 1888 году она была соучредителем Cercle des Femmes Peintres в Брюсселе. В 2005 году ее картина «Прибрежный пейзаж» была продана более чем за 1000 долларов.
Ян Веркаде (нидерл. Jan Verkade), имя при рождении Йоханнес Сикстус Герхардус Веркаде (Johannes Sixtus Gerhardus Verkade), позже сменивший имя на Виллиброрд Веркаде (Willibrord Verkade) — голландский и немецкий монах-бенедиктинец, живописец-постимпрессионист и символист.
Ян с юности был покорен искусством и начинал учиться живописи в Государственной академии изящных искусств Амстердама, позже в Париже познакомился с Полем Гогеном, Полем Серюзье и другими символистами, что сыграло большую роль в его мировоззрении. В последние годы 19 века Веркаде присоединился к группе художников-символистов «Наби» (Les Nabis). Будучи увлечен эзотерическим мистицизмом, каббалой и восточными магическими учениями, он, однако, придерживался канонов христианства.
В 1893 году Веркаде отправился в бенедиктинский монастырь в Бойроне, Германия, расписывал церкви и монастыри, а в 1902 году он стал священником и изменил имя на Виллиброрд Веркаде (Willibrord Verkade). Он продолжал рисовать до 1927 года, но уже не смог достичь уровня своего французского периода, считающегося его лучшим периодом. Однако он внес значительный вклад в развитие художественной школы Beuron, которая была основана конфедерацией монахов-бенедиктинцев в Германии в конце 19 века. Вплоть до своей смерти в 1946 году Веркаде вел затворнический образ жизни, написав за эти годы несколько религиозных, исторических и научных лингвистических трудов.
Лидия Никандровна Верховская родилась 11 октября 1882 года в Смоленске и ушла из жизни в 1919 году в Петрограде. Она была талантливой российской художницей, которая получила образование в Рисовальной школе Общества поощрения художников в Петербурге, у Я. Ф. Ционглинского. Верховская выделялась своими тонкими лирическими пейзажами, а также портретами, работая в различных техниках, включая живопись, пастель, акварель и графику.
Её творчество получило широкое признание благодаря участию во множестве выставок, включая выставки Нового общества художников и "Мир искусства" в Москве и Петрограде, а также работам, хранящимся в ведущих российских музеях, таких как Русский музей и Пермская художественная галерея. Верховская также была известна своей работой над иллюстрациями к детским книгам, принося ей особое признание в этом направлении.
Её работы, такие как "Комната в Бобровке", "Аллея", "Портрет Л. Н. К.", "Осень", "Окраина Петербурга" и многие другие, отражают глубину и многообразие её таланта, позволяя зрителям ощутить уникальный взгляд художника на окружающий мир.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата творчество Лидии Никандровны Верховской остаётся вдохновляющим примером русской живописи начала XX века. Подписывайтесь на обновления и не упустите возможность узнать о новых продажах и аукционных событиях, связанных с её работами.
Всеволод Владимирович Воинов был русским и советским художником, графиком и искусствоведом, оставившим заметный след в российской культуре начала XX века. Он окончил физико-математический факультет Санкт-Петербургского университета, занимался станковой и прикладной графикой, и был активным участником художественной жизни того времени. Воинов сотрудничал с многими известными деятелями искусства, включая Бориса Кустодиева, и принимал участие в множестве выставок как в России, так и за рубежом.
Воинов имел широкий спектр интересов и талантов, работая не только как художник, но и как театральный художник, педагог и автор научных работ по искусству. Он преподавал в ВХУТЕМАСе, Ленинградском хореографическом училище и других учебных заведениях. В период Великой Отечественной войны Воинов участвовал в ополчении и работал в штабе, а также в эвакуации в Алма-Ате работал театральным художником.
Его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях. Некоторые из его известных произведений включают «Работница на производстве» (1925), «Деревенский пейзаж» (1918), «На реке Нарове» (1940) и «Портрет искусствоведа Гольдберга» (1937). Эти и другие работы Воинова отражают его мастерство в графике и его способность запечатлеть моменты русской жизни и природы.
Если вас интересует русское искусство и творчество Всеволода Владимировича Воинова, рекомендуем подписаться на обновления. Вы будете получать информацию о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим замечательным художником.
Надежда Савельевна Войтинская-Левидова была выдающейся российской и советской художницей, переводчицей и искусствоведом, жившей в период с 1886 по 1965 год. Родилась она в Санкт-Петербурге в семье математика и педагога Савелия Осиповича Войтинского и Вильгельмины Лазаревны Берман. Надежда начала свое образование в ЦУТР барона Штиглица, продолжила учебу за рубежом в странах Европы и сблизилась с группой "Мир искусства". Она активно участвовала в художественной жизни начала XX века, создавая портреты культурных деятелей для журнала "Аполлон".
Войтинская-Левидова оставалась в блокадном Ленинграде во время Великой Отечественной войны, работая в Бюро пропаганды Союза писателей и выступая в госпиталях. После войны она преподавала иностранные языки и заведовала кафедрой иностранных языков во Всесоюзном заочном лесотехническом институте.
Ее работы сегодня можно найти в коллекциях Государственного Русского музея, Третьяковской галереи, Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина и Государственного литературного музея. Среди наиболее известных произведений - портреты М. А. Кузмина, Н. С. Гумилева и "Портрет дамы в испанском".
Ее жизнь и творчество являются важной частью культурного наследия России, подчеркивая значимость ее вклада в развитие русского искусства и литературы.
Подписывайтесь на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционах, связанных с Надеждой Савельевной Войтинской-Левидовой.
Максимилиан Александрович Волошин — знаменитый русский поэт-символист, художник, литературный критик и искусствовед. Его жизнь и творчество тесно связаны с Крымом и Коктебелем, где он воплотил мечту о коммуне художников. Волошин вырос в интеллектуальной атмосфере, с ранних лет увлекался литературой и искусством, благодаря чему стал одной из ярких фигур Серебряного века. Его творчество охватывает не только поэзию, но и изобразительное искусство, причем в качестве художника Волошин получил признание за свои акварельные пейзажи Крыма, которые он создавал по памяти, отличаясь философским и пантеистическим взглядом на природу.
Волошин много путешествовал по Европе, посещал Вену, Италию, Швейцарию, Париж, Грецию и Константинополь, где изучал литературу, слушал лекции в Сорбонне и занимался живописью. Эти путешествия обогатили его знаниями и позволили ему вступить в круг европейских интеллектуалов и художников, таких как Гийом Аполлинер, Анатоль Франс, Анри Матисс и Пабло Пикассо. В своем доме в Коктебеле Волошин создал уникальную атмосферу, где собирались известные поэты, писатели и художники того времени.
Несмотря на талант и вклад в культуру, после революции Волошина перестали публиковать в Советской России, и лишь после его смерти его творчество снова стало доступно читателям. Максимилиан Волошин оставил после себя значительное наследие, которое продолжает вдохновлять и сегодня. Его работы хранятся в музеях и являются важной частью русской культурной истории.
Если вы коллекционер или специалист в области искусства и антиквариата, и интересуетесь творчеством Максимилиана Волошина, рекомендуем подписаться на обновления, чтобы узнавать о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с этим выдающимся художником и поэтом.
Юлия Вольфторн (нем. Julie Wolfthorn) — немецкая художница, представительница символического направления в модерне, участница объединения «Берлинский сецессион». Изучала живопись в Берлине, затем в Париже.
Юлия Вольфторн много и плодотворно работала, принимала участие в выставках. Широкую известность ей принесли портреты поэта Рихарда Демеля, членов семьи писателя Густава Ландауэра, семьи архитектора Германа Мутезиуса, актрисы Тиллы Дюрье, и других берлинских знаменитостей того времени.
После прихода нацистов к власти Юлия Вольфторн осталась в Берлине, сотрудничая с «Союзом еврейской культуры». А в 1942 году она вместе с сестрой были депортированы в концлагерь Терезиенштадт.
Михаил Александрович Врубель был выдающимся русским художником, чьё творчество оставило неизгладимый след в мировой культуре. Родившийся в Омске в 1856 году, Врубель проявил себя не только как живописец, но и как мастер скульптуры и архитектурного декора. Его работы отличаются уникальным стилем, в котором переплелись элементы символизма и модерна, за что и получили признание среди знатоков искусства и антиквариата.
Особенностью творчества Врубеля является его стремление к созданию комплексных, насыщенных образов, где каждый элемент несёт глубокий смысл. Характерной чертой его живописи стала экспрессивная, насыщенная цветовая палитра, благодаря которой его произведения невозможно спутать с работами других художников. Врубель уделял большое внимание деталям, что делает его картины поистине живыми.
Среди наиболее известных работ Врубеля - "Демон сидящий", "Царевна-лебедь", которые сегодня можно увидеть в крупнейших музеях России, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. Его вклад в искусство не ограничивается только живописью; Врубель также известен своими работами в области театрального декора и скульптуры, что делает его фигурой значимой для изучения в контексте культуры и искусства.
Признание Михаила Врубеля как одного из величайших художников своего времени неуклонно растёт, а интерес коллекционеров и экспертов к его творчеству не угасает. Мы приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новостей о продажах произведений искусства и аукционных событиях, связанных с Михаилом Врубелем. Это уникальная возможность углубить свои знания и расширить коллекцию эксклюзивными работами выдающегося мастера.
Эдуар Вюйар (фр. Jean-Édouard Vuillard) — выдающийся французский художник-постимпрессионист, участник художественной ассоциации "Наби". Его работы отличаются особой интимностью и вниманием к деталям повседневной жизни, что сделало его известным на весь мир.
Ранние произведения Вюйара были схожи с творчеством голландских мастеров XVII века, однако с течением времени он всё больше склонялся к импрессионизму, под влиянием Поля Гогена и Анри де Тулуз-Лотрека. Характерной чертой его работ было изображение женщин в интерьерах, что постепенно переросло в создание масштабных панно. Искусство Вюйара отличается яркостью красок и вибрирующими оттенками, а также умением передать тонкую эмоциональность и психологию персонажей.
Одним из самых знаменитых произведений Вюйара является портрет Миси Натансон и Феликса Валлоттона, созданный им в 1899 году и проданный на аукционе Christie’s за 17,75 миллионов долларов. Это произведение стало самой дорогой картиной художника.
Вюйар, скромный и необщительный, всю жизнь оставался в центре бурлящего авангарда и интеллектуального движения. Он был любимым художником и близким другом влиятельных богачей и банкиров, но сам прожил всю жизнь в скромной квартире с матерью. Его творчество сосредотачивалось на деталях интерьера, которые часто играли большую роль, чем основные фигуры на картинах.
Для тех, кто интересуется искусством и антиквариатом, жизнь и творчество Эдуара Вюйара — настоящее вдохновение. Его работы остаются востребованными среди коллекционеров и экспертов, а их уникальный стиль продолжает восхищать любителей искусства.
Для тех, кто хочет быть в курсе новых продаж и аукционных событий, связанных с Эдуаром Вюйаром, рекомендуем подписаться на наши обновления. Будьте уверены, что подписка позволит вам не пропустить ни одного важного события, связанного с творчеством этого замечательного художника.
Эмиль Галле (фр. Emil Gallé) — выдающийся французский художник стиля ар-нуво, реформатор художественного стеклоделия, живописец, рисовальщик, керамист, проектировщик мебели и мастер оформления интерьера, ботаник и садовод, поэт-символист и теоретик искусства.
Аксели Галлен-Каллела (фин. Akseli Gallen-Kallela), урожденный Аксель Валдемар Галлéн (швед. Axel Waldemar Gallén) — финский художник шведского происхождения.
Он обучался в академии Жулиана в Париже, путешествовал по Африке, а позже разрабатывал дизайн флагов, гербов и униформы для армии независимой Финляндии.
Аксели Галлен-Каллела является представителем живописи национального романтизма и северного модерна Финляндии 1880-1910 годов. В своём творчестве он использовал символику и художественные приемы стиля модерн. Неприукрашенное изображение болезней, страданий и социальных невзгод было частью натуралистической концепции искусства, которой Галлен-Каллела следовал с начала своей карьеры. Он часто писал суровую жизнь, часто с элементами христианского символизма.
Роберт Гватми (англ. Robert Gwathmey) — американский художник-абстракционист и реалист, его сын Чарльз Гватми — архитектор. Роберт Гватми был социалистом и находился под влиянием многих художников, включая Пабло Пикассо, Анри Матисса, Винсента Ван Гога и других. Он работал в стиле символической абстракции. Произведения Гватми хранятся в известных музеях и коллекциях США.
Николай Николаевич Ге был выдающимся русским художником, чьё имя занимает особое место в истории искусства. Его творчество, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру, отражает глубокий философский подход и стремление к истине через искусство. Родившийся в 1831 году, Ге проявил свой талант в различных направлениях культуры, но наибольшую известность ему принесли его работы в области живописи.
Художник известен своими портретами и историческими картинами, в которых он стремился передать глубокие эмоциональные состояния и моральные дилеммы. Среди его самых знаменитых работ можно выделить "Последний ужин" и "Христос в Гефсиманском саду", которые хранятся в ведущих музеях России и вызывают неизменный интерес у зрителей.
Творчество Ге отличается особым вниманием к деталям, использованием света и тени, а также уникальной способностью передавать внутренний мир персонажей. Его работы оказали значительное влияние на развитие русской живописи и продолжают вдохновлять новые поколения художников.
Для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата изучение творчества Николая Ге является возможностью погрузиться в эпоху, когда искусство стремилось не просто украшать жизнь, но и задавать вопросы, на которые каждый ищет ответы в глубине своей души.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы всегда быть в курсе новых продаж продукции и аукционных мероприятий, связанных с Николаем Николаевичем Ге. Ваша подписка гарантирует, что вы не пропустите уникальную возможность приобрести часть наследия великого художника.
Фердинанд Гейльбют (нем. Ferdinand Heilbuth) — немецкий живописец XIX века, который значительную часть своей карьеры провёл во Франции. Он особенно известен как акварелист, один из первых членов Общества французских акварелистов.
Гейльбют изначально прославился своими портретами, выполненными в стиле Тициана и Рембрандта. Однако позже он полностью отказался от портретного жанра в пользу историко-бытовых сюжетов и начал изображать сцены из жизни высшего общества прошлых времен. Затем, став плэнеристом, он рисовал пейзажи Парижа, создавал этюды в Лондоне. Его картины отличались лёгкостью, воздушностью и мастерской техникой, а акварели были особенно искусными.
Герман Гендрих (нем. Hermann Hendrich) — немецкий художник последней четверти XIX – первой трети ХХ веков. Он известен как живописец, известный своими работами в романтическом и старогерманском стиле.
Гендрих вершиной своего творчества считал полотна и интерьер для «Вальпургиева зала» вблизи города Тале, созданные в 1901 году. Для «Зала Нибелунгов» на горе Драхенфельс, открытого в 1913 году в честь Рихарда Вагнера, он написал 12 полотен по древнегерманским легендам. Художник также создал иллюстрации к произведениям Гёте, а также экспозиции в «Зале немецких саг» в Золингене.
Гендрих был сооснователем союза Верданди, противостоявшего модернизму в искусстве. В его честь названа площадь в Берлине — Гендрихплац.
Роберт Львович Генин — художник первой половины ХХ века еврейского происхождения, работавший в нескольких странах, включая Российскую империю, Германию, Францию, Швейцарию и СССР. Он известен как живописец и график.
Роберт Генин работал в различных жанрах, включая пейзажи, портреты, жанровые композиции и обнажённую натуру. Он также занимался литографией, ксилографией и офортом. Его стиль развивался от югендстиля и символизма в начале 1900-х годов к экспрессионизму после Первой мировой войны. Позднее он пришёл к своеобразному лирическому примитивизму. Художник работал как в станковой, так и в монументальной живописи и испытал влияние разных художников.
Людвиг фон Гофман (нем. Ludwig von Hofmann) — немецкий художник, график и дизайнер. В работах Людвига фон Гофмана в различные периоды его творчества ощущается влияние таких направлений в искусстве, как историзм, модерн, символизм и новая вещественность.
Людвиг фон Гофман обучался живописи в Академиях изящных искусств Дрездена, Карлсруэ и Мюнхена. С 1898 года был участником культурного движения Берлинский сецессион.
После прихода в Германии к власти национал-социалистов некоторые его работы были зачислены в разряд дегенеративного искусства, однако большинство из них продолжали экспонироваться в музеях Германии.
Эрнст Отто Грайнер (нем. Ernst Otto Greiner) — немецкий художник и график. Обучался в Мюнхенской академии художеств.
Отто Грайнер был одним из выдающихся мастеров немецкого модерна. Зрелый стиль живописца, характеризующийся неожиданными пространственными сопоставлениями и резко сфокусированным фотографическим натурализмом, находился под сильным влиянием работ Макса Клингера.
Освальдо Гуаясамин (исп. Oswaldo Guayasamín) — эквадорский художник, монументалист и скульптор.
Отец Освальдо был индейцем, и семья была очень бедная, но будущий художник получил образование в Школе изящных искусств города Кито. Вскоре буквально за два года он создал цикл из 103 картин, посвященный жизни угнетаемых индейцев Латинской Америки. Освальдо Гуаясамин писал также портреты известных современников, включая Фиделя Кастро, которым он восхищался. Он создавал и стенописи, фрески, пейзажи, символические образы.
Произведения художника, кроме других городов мира, выставлялись в Париже, Москве и в Ленинграде, имея потрясающий успех. В 1957 году на Четвертой биеннале в Сан-Паулу он был назван лучшим южноамериканским художником.
Гуаясамин был также страстным коллекционером. В 1978 году известный уже тогда художник передал в дар государству Эквадор собранные им около 500 картин и скульптур колониального периода, археологические памятники доколумбового периода, картины Гойи и Пикассо.
Фридрих Гункель (нем. Friedrich Gunkel) — немецкий художник. Учился в Академии в Касселе, был учеником Людвига Эмиля Гримма и Фридриха Вильгельма Мюллера и вскоре был признан лучшим учеником в классе рисования. Уехал в Берлин и работал ассистентом в мастерской Петера фон Корнелиуса. С 1847 года жил в Риме и стал членом Немецкой ассоциации художников. В 1856 году сформировал сообщество со скульпторами Густавом Каупертом и Генрихом Герхардтом и художником Генрихом Дребером. Самой известной его работой был Hermannsschlacht («Битва в Тевтобургском лесу»), монументальная историческая картина, которую в 1857 году заказал ему баварский король Максимилиан II и которую Гункель завершил в Мюнхене между 1862 и 1864 годами. Картина сохранилась только на фотографиях и репродукциях.
Николай Михайлович Гущин был российским и советским художником, символистом Серебряного века, выпускником МУЖВЗ. Он дружил с футуристами и участвовал в эпатажных проектах Бурлюков и В.Каменского. После эмиграции в Харбин, а затем во Францию, Гущин стал там французским художником-модернистом. Во Франции он активно работал, участвовал в выставках и преподавал в частной студии. Его работы были выставлены в Париже, Лондоне, Ницце, Монте-Карло и получили высокую оценку французских критиков.
В 1947 году Гущин вернулся в СССР и выбрал Саратов для своей жизни, где сформировал вокруг себя группу молодых художников, известных как «художники круга Гущина». Эта группа включала в себя нонконформистов, таких как Вячеслав Лопатин, Виктор Чудин и Людмила Перерезова. Саратов стал местом, где Гущин не только делался своими знаниями и опытом, читая лекции по искусству, но и работал реставратором в Радищевском музее.
Самая большая коллекция произведений Гущина сегодня хранится в Радищевском музее в Саратове. Он остается важной фигурой в истории русского искусства, символизирующей связь между русской культурой и европейским модернизмом, а его творчество продолжает вдохновлять новые поколения художников.
Если вы интересуетесь искусством Николая Михайловича Гущина и хотите узнавать о новых продажах его работ и аукционных событиях, подпишитесь на наши обновления. Это отличный способ оставаться в курсе всех новостей, связанных с творчеством этого выдающегося художника.
Ян Франс де Бёвер (фр. Jan Frans De Boever) — бельгийский художник-символист, иллюстратор и педагог. Он посещал Koninklijke Academie voor Schone Kunsten van Gent, которую окончил в 1896 году. Вдохновлялся работами Фелисьена Ропса и Армана Рассенфосса, его живопись находилась под влиянием символизма рубежа веков. В основном изображал обнаженных женщин, рядом с которыми для контраста рисовал скелеты. Эти мотивы сопровождали его всю жизнь. В 1914 году по заказу богатого коллекционера произведений искусства Леона Спелтинкса начал иллюстрировать сборник стихов Шарля Бодлера «Цветы зла». К 1924 году создал около 157 иллюстраций, из которых сохранилось 86. Они считаются самой важной работой де Бевера. С 1897 года показывал свои картины на многочисленных салонах и выставках как в Брюсселе, так и за границей. С 1900 по 1932 год работал учителем рисования в Гентской академии художеств. В 1903 году был одним из основателей художественного и литературного кружка Гента.
Питер Корнелис де Мур (нидерл. Pieter Cornelis de Moor) — многосторонний нидерландский художник. Он проявил себя в различных видах искусства: рисовании, гравюре, живописи, акварели, литографии и иллюстрации. Питер Корнелис де Мур активно участвовал в культурной жизни, будучи основателем и председателем Роттердамского Кунсткринга и членом Гаагского Кунсткринга. Он работал во многих странах, включая Францию, Италию, Швецию и Швейцарию, а последние годы своей жизни провел в США.
Творчество Питера Корнелиса де Мура отличалось разнообразием тем и стилей, от библейских сцен до аллегорических и символистских изображений. Его произведения можно найти в многочисленных музеях, включая Рейксмузеум в Амстердаме и Музей Бойманс ван Бёнинген в Роттердаме. Известен он также своими многочисленными экспозициями, включая посмертную выставку в Музее Бойманс Ван Бёнинген и обзорную выставку в Дрентсом музее.
Его вклад в искусство и уникальный подход делают творчество де Мура значимым для коллекционеров и экспертов в области искусства и антиквариата. Его работы не только украшают коллекции, но и служат источником вдохновения для современных художников.
Если вы интересуетесь искусством и хотели бы узнавать о новых продажах произведений Питера Корнелиса де Мура или аукционных событиях, подписывайтесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять вам только актуальную информацию, связанную с творчеством этого выдающегося художника.
Густав Франсискус де Смет (фр. Gustave Franciscus De Smet) — бельгийский художник, писавший свои работы преимущественно в импрессионистском и экспрессионистском стилях. Ранние работы созданы под влиянием импрессионизма. Начиная с 1908 года художник жил и работал в городке Синт-Мартенс-Латем. В это время он находился под влиянием работ Эмиля Клауса. С началом Первой мировой войны в 1914 году бежал в Нидерланды. Здесь он познакомился с экспрессионистским искусством, что коренным образом изменило его творчество. Полотна этого периода мрачны, полны беспокойного движения. В 1922 году Де Смет вернулся в Бельгию, жил сперва в Генте, затем вернулся в Синт-Мартенс-Латем. Картины, написанные им в 1920-е — 1930-е годы, более оптимистичны, основной их темой стало изображение человека и его жизненных обстоятельств. Художник в конце своего творческого пути писал также пейзажи и городские виды; работы этого периода выполнены в реалистической манере.
Ольга Людвиговна Делла-Вос-Кардовская была выдающимся русским художником и графиком, чья творческая карьера началась в конце 19-го века. Обучение Ольги проходило в Шнайдеровской школе в Харькове с 1891 по 1894 год, затем она продолжила образование в Академии художеств в Санкт-Петербурге до 1899 года. Дополнительно художница совершенствовала свои навыки в Мюнхене у Антона Ажбе в 1899-1900 годах.
Делла-Вос-Кардовская активно участвовала в художественной жизни России, ее работы были представлены на многочисленных выставках, включая выставки объединения "Жар-цвет" в 1920-х годах и мемориальную выставку в Научно-исследовательском музее Академии художеств СССР после ее смерти.
Ее искусство отличается особой чувственностью и вниманием к деталям, что особенно заметно в портретах современников, среди которых Николай Гумилев, Анна Ахматова и сам Дмитрий Кардовский, муж Ольги и известный художник. Ее картины, такие как "Маленькая женщина" (изображена дочь художницы, 1910 год) и портреты Анны Ахматовой, выделяются светом, воздухом и искренностью эмоций, делая ее творчество бесценным вкладом в русское искусство.
Помимо портретной живописи, Ольга Людвиговна также занималась книжной иллюстрацией, внося вклад в развитие этого искусства в России. Ее работы хранятся в музеях и частных коллекциях, продолжая вдохновлять любителей искусства по всему миру.
Если вас интересует искусство Ольги Людвиговны Делла-Вос-Кардовской и вы хотите узнавать о новых выставках ее работ и аукционах, подпишитесь на наши обновления. Мы обещаем отправлять только актуальную информацию, касающуюся продаж ее произведений и событий, связанных с ее творчеством.
Морис Дени (фр. Maurice Denis), выдающийся французский художник постимпрессионист и символист, оставил неизгладимый след в истории искусства. Родившийся в 1870 году в Гранвиле, Дени с самого детства проявлял интерес к искусству и религии, впоследствии соединив эти страсти в своем творчестве.
Дени стал ключевым фигурантом художественной группы "Наби", выступив ее главным теоретиком. Его работы отличались простотой форм, мягкостью линий и бледностью красок. Характерной чертой его творчества было преклонение перед женщиной и идеализация женских образов, что нашло отражение во многих его произведениях.
Среди известных работ Дени — картины "Путь на Голгофу" (1889), "Приношение на Голгофе" (1890), "Апрель" (1892), "Ландшафт с зелеными деревьями" (1893), "Музы" (1893), "Танцоры" (1905) и "Желтый кот" (1915). Эти и многие другие произведения Дени демонстрируют его особое внимание к религиозной тематике и использование символистических мотивов.
Дени также активно занимался писательской деятельностью, опубликовав несколько значимых теоретических работ по искусству. Его книги "Теории" (1912), "Новые теории" (1922) и "История религиозного искусства" (1939) оказали значительное влияние на молодых художников того времени.
Важным аспектом его жизни были путешествия. Они не только вдохновляли Дени на создание новых произведений, но и позволяли ему изучать различные культуры и художественные традиции. Например, в 1890 году он познакомился со своей будущей женой и музой Мартой Мёрье, которая стала главной героиней многих его работ.
Творчество Мориса Дени можно увидеть во многих мировых музеях и галереях, включая Государственный Эрмитаж и музей Орсэ. Его работы продолжают вдохновлять художников, искусствоведов и коллекционеров по всему миру.
Приглашаем вас подписаться на обновления, чтобы быть в курсе новых событий, связанных с творчеством Мориса Дени, включая продажи произведений и аукционные мероприятия.
Карл Вильгельм Дифенбах (нем. Karl Wilhelm Diefenbach) — немецкий художник конца XIX – начала ХХ веков. Он известен как живописец, график, представителем символизма и стиля модерн, а также как общественный деятель, создатель коммуны Химмельхоф.
Дифенбах получил известность как художник ещё в молодости. Он успешно зарабатывал, создавая иллюстрации к детским книгам и акварельные копии. В 1882 году он объявил о создании своёго собственного учения, которое включало в себя идеи о жизни в гармонии с природой, отказе от моногамии и религии, практике натуризма и вегатарианства. Художник тогда же создал знаменитое 68-метровое фризовое произведение «Per aspera ad astra». Статус крупного художника Дифенбах приобрёл на острове Капри, в то время как на родине его творчество было предано забвению.
Гейнс Ругер Донохо (англ. Gaines Ruger Donoho) — американский художник.
Он практиковал как импрессионист, символист и тоналист в Манхэттене. В 1891 году он переехал в Ист-Хэмптон, где продолжал заниматься живописью. Он наиболее известен своими пейзажами и садовыми картинами, некоторые из которых напоминают садовые картины Клода Моне в Живерни. Кроме того, он также сделал несколько рисунков.
Некоторые из его работ выставлены в Музее искусств Метрополитен на Манхэттене, Бруклинском музее в Бруклине, Нью-Йорк, и в Музее искусств Миссисипи в Джексоне, Миссисипи.
Гюстав Доре (фр. Gustave Dore), полное имя Поль Гюстав Луи Кристоф Доре (Paul Gustave Louis Christophe Doré) — французский живописец, скульптор, график, иллюстратор и карикатурист.
Доре был очень трудолюбив и плодовит: он создал более 10 000 иллюстраций для художественных книг, а также Библии. Он украсил своими живыми рисунками произведения Рабле, Бальзака, Сервантеса, Данте и Мильтона, благодаря чему имя Доре было прославлено. У него был особый дар иллюстрировать природу и сказки.
Николай Никанорович Дубовской, родившийся в Новочеркасске в семье казака, с детства проявлял интерес к рисованию, несмотря на семейные традиции, предполагавшие военную карьеру. Его увлечение искусством было настолько сильным, что после обучения в Владимирской Киевской военной гимназии он отправился в Петербург и поступил в Императорскую Академию художеств. Здесь Дубовской учился у профессора М. К. Клодта и получил четыре Малые серебряные медали за свои работы.
Дубовской стал выдающимся пейзажистом, его работы отражают не просто природу, но и эмоциональное состояние человека, создавая "пейзаж настроения". Это направление оказало заметное влияние на русскую пейзажную живопись и стало важным этапом в творчестве передвижников. Будучи активным участником и последним руководителем Товарищества передвижников, Дубовской внес значительный вклад в развитие культурного центра, определявшего процесс развития художественной культуры в России.
Его работы нашли признание и популярность: на аукционах представлены как этюды, так и портреты, выполненные Дубовским в разное время. Например, "Этюд дорожный" и "Женский портрет" показывают разнообразие его таланта.
Приглашаем коллекционеров и экспертов искусства и антиквариата подписаться на обновления, чтобы не пропустить новости о продажах и аукционах, связанных с Николаем Никаноровичем Дубовским. Подписка позволит вам быть в курсе всех событий, связанных с этим выдающимся художником.
