Jugendstil 19. Jahrhundert
Jenny Fikentscher (geb. Nottebohm) war eine deutsche Malerin und Grafikerin, die mit der Jugendstilbewegung verbunden war. Sie studierte an der Malerinnenschule in Karlsruhe und wurde später Teil der Künstlerkolonie Grötzingen. Fikentscher heiratete den Tiermaler Otto Fikentscher und zog fünf Kinder in einem unkonventionellen Künstlerhaushalt auf. Sie war bekannt für ihre botanischen Motive und Lithografien, oft mit einheimischen Pflanzen. Fikentscher schuf auch Sammelbilder für das Schokoladenunternehmen Stollwerck. Trotz ihres Alters verkaufte sie weiterhin Produkte aus ihrem Garten und war in Karlsruhe eine bekannte Persönlichkeit.
Cuno Amiet war ein Schweizer Maler, Zeichner, Graphiker und Bildhauer, der sich der Dresdner Künstlergruppe Brücke anschloss. Er wird oft als «Bonnard der Schweizer» bezeichnet. Beeinflusst wurde er von den Malern des Post-Impressionismus, unter anderem Paul Gauguin, Émile Bernard und Paul Sérusier, aber auch von Ferdinand Hodler und Giovanni Segantini.
Léon Bakst (russisch: Лев Самойлович Бакст) war ein russischer Maler und Bühnenbildner, bekannt für seine innovativen Kostüme und Bühnenbilder, die die Welt der Kunst und des Theaters revolutionierten. Seine Arbeiten zeichnen sich durch lebendige Farben, ausgeprägte Linienführung und die Verschmelzung östlicher und westlicher Kunststile aus. Baksts Einfluss auf die Kultur und Kunst der Moderne ist unbestreitbar und macht ihn zu einer Schlüsselfigur in der Entwicklung der visuellen Künste.
Baksts Beitrag zur Kunst geht weit über seine Malerei hinaus. Als führender Künstler des Ballets Russes brachte er eine neue Dimension in die Darstellung von Kostüm und Bühnenbild ein. Seine Arbeit für Produktionen wie „Der Nachmittag eines Fauns“ und „Daphnis und Chloe“ hinterließ einen bleibenden Eindruck in der Welt der darstellenden Künste und inspirierte Generationen von Künstlern, Designern und Bildmalern.
Seine Kunstwerke sind in einigen der renommiertesten Museen und Galerien der Welt ausgestellt, darunter das Museum of Modern Art in New York und die Eremitage in St. Petersburg. Diese Sammlungen bezeugen Baksts dauerhaften Einfluss auf die Kunstwelt und seine Anerkennung als Künstler von internationalem Rang.
Für Sammler und Experten auf dem Gebiet der Kunst und Antiquitäten bietet das Studium von Baksts Werk tiefe Einblicke in die Entwicklungen der frühen Moderne. Wir laden Sie ein, sich für unsere Updates anzumelden, um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse zu Werken von Léon Bakst informiert zu werden. Diese Abonnements sind eine hervorragende Möglichkeit, Ihr Wissen und Ihre Sammlung von bedeutenden Kunstwerken zu erweitern.
Aubrey Vincent Beardsley war ein englischer Illustrator und Autor, bekannt für seine provokativen und oft als skandalös empfundenen Werke. Seine Spezialisierung auf Tuschzeichnungen, die von der Ästhetik japanischer Holzschnitte und des Art Nouveau beeinflusst wurden, machte ihn zu einer Schlüsselfigur der ästhetischen Bewegung am Ende des 19. Jahrhunderts. Beardsleys Kunst zeichnet sich durch scharfe Kontraste zwischen dunklen Flächen und leeren Räumen sowie zwischen feinen Details und flächigen Elementen aus. Seine Arbeiten thematisieren häufig das Groteske, Dekadente und Erotische, wobei er gesellschaftliche Konventionen der viktorianischen Zeit, insbesondere bezüglich der Sexualität, herausforderte.
Beardsleys kurze, aber intensive Schaffensperiode von etwa sechs Jahren umfasste mehrere künstlerische Phasen, die sich in der Entwicklung seiner Signatur widerspiegelten. Sein Frühwerk ist größtenteils unsigniert, gefolgt von einer Periode, in der er seine Initialen A.V.B. verwendete, bis hin zu einem japanisch beeinflussten Zeichen, das er während seiner Arbeit an bedeutenden Projekten wie "Le Morte d'Arthur" und "The Yellow Book" nutzte. Letzteres war ein avantgardistisches Magazin, für das er als Kunstdirektor tätig war und das moderne Leben sowie zeitgenössische Mode und Berühmtheiten in seinen Illustrationen darstellte.
Beardsleys Werk war von Anfang an von Kontroversen begleitet, insbesondere seine erotischen Darstellungen, die oft als Angriff auf die moralischen Werte seiner Zeit gesehen wurden. Seine Illustrationen für Oscar Wildes "Salome" und Aristophanes' "Lysistrata" sind berühmt für ihre expliziten Inhalte. Trotz oder gerade wegen dieser Kontroversen hatte Beardsley einen enormen Einfluss auf spätere Künstlergenerationen, insbesondere im Bereich des Art Nouveau und der Plakatkunst.
Sein persönliches Leben war ebenso außergewöhnlich wie sein künstlerisches Werk. Beardsley war bekannt für seine exzentrische Erscheinung und seinen scharfsinnigen Humor, der sich auch in seiner Kunst widerspiegelte. Trotz seines frühen Todes mit nur 25 Jahren hinterließ er ein beeindruckendes Werk, das bis heute in Museen und Galerien weltweit ausgestellt wird, unter anderem im Victoria and Albert Museum in London, das eine umfangreiche Sammlung seiner Drucke besitzt.
Für Sammler und Experten im Bereich Kunst und Antiquitäten bietet Aubrey Vincent Beardsley eine faszinierende Studie eines Künstlers, der die Grenzen der Darstellbarkeit auslotete und dabei die Kunstwelt nachhaltig prägte. Wenn Sie über neue Verkäufe und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Beardsleys Werk auf dem Laufenden gehalten werden möchten, empfehlen wir Ihnen, sich für Updates zu registrieren. Dieser Service informiert Sie gezielt über neue Gelegenheiten, ein Stück dieser außergewöhnlichen Kunstgeschichte zu erwerben.
Alexander Nikolajewitsch Benois (russisch: Алекса́ндр Никола́евич Бенуа́), ein herausragender russischer Künstler, war eine Schlüsselfigur in der Welt der Kultur und Kunst. Bekannt für seine Vielseitigkeit, trug Benois als Maler, Kunstkritiker und -historiker, sowie als Bühnenbildner erheblich zur Entwicklung der bildenden Künste in Russland und darüber hinaus bei. Sein Werk zeichnet sich durch eine einzigartige Mischung aus Nostalgie, romantischer Verklärung der Vergangenheit und einem feinen Gespür für ästhetische Eleganz aus.
Benois war nicht nur ein begabter Bildmaler, sondern auch ein Mitbegründer der Künstlergruppe „Welt der Kunst“ (Mir Iskusstva), die Anfang des 20. Jahrhunderts wesentlich zur Erneuerung der russischen Kunst beitrug. Seine Beiträge zur Kunstschule und zum theoretischen Diskurs inspirierten Generationen von Künstlern. Benois’ Einfluss reichte weit über die Grenzen Russlands hinaus, insbesondere durch seine Arbeit im Ballett, wo er innovative Bühnenbilder und Kostüme entwarf.
Unter seinen bekannten Werken finden sich zahlreiche Gemälde und Skizzen, die in führenden Museen und Galerien weltweit ausgestellt sind. Besonders hervorzuheben sind seine Bühnenbilder für Ballettaufführungen wie „Petruschka“ und „Der Pavillon d'Armide“, die bis heute als wegweisend für die Moderne im Ballett gelten.
Für Sammler und Experten der Kunst- und Antiquitätenwelt bleibt Alexander Nikolajewitsch Benois eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration. Seine Arbeiten bieten nicht nur ästhetischen Genuss, sondern auch tiefe Einblicke in die kulturellen und historischen Kontexte seiner Zeit.
Möchten Sie mehr über die Werke und das Vermächtnis von Alexander Nikolajewitsch Benois erfahren? Melden Sie sich für Updates an, um über neue Produktverkäufe und Auktionsereignisse informiert zu werden, die sich ausschließlich auf diesen bedeutenden Künstler beziehen. Entdecken Sie die Welt der Kunst durch die Augen eines Meisters.
Karl Biese war ein deutscher Landschaftsmaler, Zeichner und Lithograf. Nachdem er zunächst als Theatermaler tätig war, erhielt er 1883 ein Stipendium für ein Studium an der Karlsruher Akademie der Bildenden Künste. Später kehrte Biese nach Hamburg zurück, wo er Malermeister wurde und sich selbstständig machte. Biese war einer der Gründer des Karlsruher Künstlervereins und fertigte Lithografien für die Druckwerkstatt des Vereins an. Inspiration für seine Arbeiten zum Thema Natur fand er auf seinen Reisen durch Karlsruhe, den Schwarzwald, die Moselregion und Norddeutschland. Biese war vor allem für seine stimmungsvollen Gemälde, insbesondere seine Winterszenen, bekannt. Er arbeitete hauptsächlich mit den Medien Ölmalerei und Lithographie. Biese entwarf auch Sammelbilder für die Alben der Schokoladenfirma Stollwerck.
Iwan Jakowlewitsch Bilibin (russisch Иван Яковлевич Билибин) war ein russisch-sowjetischer Maler, Grafiker und Theaterschaffender, der am 16. August 1876 in Tarchowka bei Sankt Petersburg geboren wurde und am 7. Februar 1942 in Leningrad verstarb. Er war bekannt für seine Illustrationen russischer Volksmärchen und slawischer Folklore, die er mit Inspirationen aus der mittelalterlichen russischen Kunst und Kultur schuf. Bilibin war ein aktives Mitglied der Künstlergruppe "Mir Iskusstva" (Welt der Kunst) und trug zum Ballets Russes bei, ko-gründete die Union russischer Künstler und wurde ab 1937 Mitglied der Künstlerunion der UdSSR.
Sein künstlerischer Weg führte ihn weit über die Grenzen Russlands hinaus. Nach der Oktoberrevolution 1917 verließ er Russland und lebte in Kairo, Alexandria und Paris, wo er private Herrenhäuser und orthodoxe Kirchen dekorierte. Seine Sehnsucht nach der Heimat führte ihn jedoch zurück nach Sowjetrussland, wo er bis zu seinem Tod 1942 Vorträge an der Russischen Akademie der Künste hielt.
Bilibin war dreimal verheiratet und seine Ehen verbanden ihn sowohl künstlerisch als auch privat eng mit der Kunstwelt. Seine ersten beiden Ehefrauen waren ehemalige Schülerinnen, die Malerin Marija Jakowlewna Tschembers und die Kunstschulabsolventin Renée Rudolfowna O'Connel. Mit seiner dritten Frau, der Malerin Alexandra Wasiljewna Schtschekatichina-Potozkaja, hatte er 1929 eine gemeinsame Ausstellung in Amsterdam.
Bilibins Werke sind in verschiedenen Museen und Galerien weltweit ausgestellt, darunter das Museum of Modern Art (MoMA), das seine Beiträge zur Kunst durch Ausstellungen und Sammlungen würdigt.
Wenn Sie sich für Iwan Jakowlewitsch Bilibin und sein Erbe interessieren, melden Sie sich für Updates an, um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse informiert zu werden, die mit seinem Werk in Verbindung stehen.
Frank William Brangwyn war ein walisischer Maler, Grafiker, Illustrator und Designer. Clifford Musgrave schätzte 1952 Brangwyns Werk auf über 12 000 Exemplare – davon um die 1000 Ölbilder, 400 Radierungen und Holzschnitte sowie 280 Lithografien.
Hans Andersen Brendekilde, geboren als Hans Andersen, war ein dänischer impressionistischer Maler und Vertreter des sozialistischen Realismus.
Hans war ein entfernter Verwandter des berühmten Märchenerzählers Hans Christian Andersen und stammte ebenfalls aus einer sehr armen Familie. Seine Fähigkeiten wurden jedoch bemerkt, und er wurde an der Königlich Dänischen Akademie der Schönen Künste in Kopenhagen aufgenommen, wo er mit Auszeichnung abschloss und Bildhauer wurde. Hans begann jedoch sofort zu malen und schilderte die harten Lebensbedingungen im ländlichen Dänemark zwischen 1880 und 1920. Dies war der Beginn des sozialrealistischen Stils.
1884 lebte er mit seinem Freund, dem Maler Laurits Andersen Ring (1854-1933), in Kopenhagen und nahm einen zweiten Nachnamen an, Brendekilde, um Verwechslungen zu vermeiden.
Brendekilde war ein überzeugter Sozialist und schuf zahlreiche Gemälde, die arme Menschen bei der Arbeit auf dem Feld oder in ihren Häusern in tragischen Momenten des Lebens zeigen. Sein berühmtestes Gemälde ist Der Müde, das er 1889 vollendete. Mit seinem Werk hatte Brendekilde einen großen Einfluss auf viele seiner Zeitgenossen, darunter auch Edvard Munch.
Der talentierte und vielseitige Künstler arbeitete auch als Illustrator und gab dem Kunsthandwerk in Dänemark neue Impulse. Er arbeitete viele Jahre lang in der berühmten Keramikfabrik von Herman A. Köhler, zog er andere Künstler zu dieser Tätigkeit an. Und am Ende seines Lebens begann der Künstler, mehr positive Bilder zu malen: Blumen, spielende Kinder, Felder in der Sonne.
Carlo Bugatti war ein italienischer Designer, Dekorateur und Architekt. Er war der Bruder von Luigia Bugatti, welche seit 1880 die Ehefrau seines Freundes, Mitstudenten und Malers Giovanni Segantini war. Außerdem pflegte er eine Freundschaft zu dem Komponisten Giacomo Puccini.
Frederick Carder war ein in England geborener Künstler und Designer, der vor allem für seine Arbeit in der Glasherstellung und seine Rolle als Mitbegründer der Steuben Glass Works in den Vereinigten Staaten bekannt ist. Er war eine herausragende Persönlichkeit der amerikanischen Kunstglasbewegung und leistete bedeutende Beiträge zu diesem Bereich.
Im Jahr 1903 wanderte Carder in die Vereinigten Staaten aus und ließ sich schließlich in Corning, New York, nieder. Zusammen mit Thomas G. Hawkes war er 1903 Mitbegründer der Steuben Glass Works. Carder fungierte mehrere Jahrzehnte lang als künstlerischer Leiter und Chefdesigner von Steuben. Unter seiner Leitung wurde Steuben für die Herstellung von hochwertigem Kunstglas bekannt, das für seine Eleganz, seine Handwerkskunst und seine innovativen Designs bekannt war.
Carder experimentierte mit verschiedenen Glasherstellungstechniken und beherrschte eine breite Palette von Glasobjekten, darunter Vasen, Schalen, Lampen und Tafelgeschirr. Seine Entwürfe zeigten ein breites Spektrum an Stilen, von zarten und filigranen, vom Jugendstil inspirierten Stücken bis hin zu kühnen und modernen Art-Déco-Designs. Carders Arbeiten zeichneten sich häufig durch leuchtende Farben, komplizierte Muster und aufwändige Glastechniken wie Irisieren und Ätzen aus.
Léon Georges Jean-Baptiste Carré war ein französischer orientalistischer Maler und Illustrator, der durch seinen Beitrag zur fauvistischen Bewegung bekannt wurde.
Carrés Stil zeichnete sich durch leuchtende Farben und kräftige Striche aus. Er versuchte, seine Emotionen auszudrücken und das Wesen des Motivs durch intensive und unnatürliche Farben zu vermitteln. Carrés Gemälde stellen häufig Landschaften, Stillleben und Porträts dar.
Léon Carré experimentierte auch mit anderen Kunstrichtungen wie dem Kubismus und dem Postimpressionismus. So konnte er eine einzigartige künstlerische Sprache entwickeln, die Elemente verschiedener Strömungen miteinander verband.
William Reid Dick war ein schottischer Bildhauer, der für die innovative Stilisierung der Form bei seinen Denkmälern und die Einfachheit seiner Porträts bekannt war. Er wurde 1921 assoziiertes Mitglied der Royal Academy und 1928 Vollmitglied. Dick war von 1933 bis 1938 Präsident der Royal Society of British Sculptors. Er wurde von König Georg V. 1935 zum Knight Commander des Royal Victorian Order geschlagen. Von 1938 bis zu seinem Tod war er Sculptor in Ordinary for Scotland für King George VI.
Samuel Perry Dinsmoor war ein amerikanischer Künstler und Bildhauer. Dinsmoors berühmtestes Werk, Garden of Eden, ist eine komplizierte Installation aus über 200 Betonskulpturen, die Adam und Eva, eine Schlange und verschiedene Tiere zeigen. Die Skulpturen sind in einer Reihe von Szenen angeordnet, die die in der Bibel erzählte Schöpfungsgeschichte darstellen.
Samuel Perry Dinsmoor begann seine Karriere als Lehrer, wandte sich aber später der Kunst zu. Im Laufe seiner Karriere schuf er zahlreiche Skulpturen und Denkmäler, darunter die Statue von Abraham Lincoln, die vor dem Gerichtsgebäude in Lucas steht.
Dinsmoors Werke wurden in vielen Ausstellungen gezeigt und gelten als wichtiges Beispiel für Außenseiterkunst. Seine Skulpturen sind bekannt für ihre detaillierte und komplizierte Konstruktion und die Verwendung unkonventioneller Materialien.
Auguste Donnay war ein belgischer Maler, Radierer, Lithograf und Plakatkünstler.
1900 wurde er zum Professor für dekorative Kunst an die Akademie der bildenden Künste in Lüttich berufen.
Im Jahr 1905 hielt Auguste Donnay anlässlich der Internationalen Ausstellung in Lüttich eine Rede, in der er versuchte, einen wallonischen Geist in der Malerei zu definieren, den er dem Geist der flämischen Malerei entgegensetzte.
Er illustrierte viele Bücher, u. a. dramatische Werke von Maurice Maeterlinck.
Theodor Fahrner ist ein bahnbrechender Schmuckdesigner aus Pforzheim, Deutschland. Berühmt für seine exquisiten Jugendstil-Kreationen, hat Fahrner ein Vermächtnis, das über seine Lebenszeit hinausreicht. Seine Stücke, die für ihre Erschwinglichkeit bekannt sind, wurden zum Synonym für tadellose Handwerkskunst und einzigartiges Design. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1883 übernahm er dessen Ringfabrik und stieg rasch zu einer bedeutenden Persönlichkeit auf. Bis 1895 war er alleiniger Inhaber und wagte sich in der Umbruchphase des 20. Jahrhunderts mit der Anmeldung von Patenten und Gebrauchsmustern auf innovatives Terrain. Der Durchbruch gelang Fahrner auf der Pariser Weltausstellung 1900, wo sein von Max J. Gradl entworfener Schmuck mit einer prestigeträchtigen Silbermedaille ausgezeichnet wurde.
Im Laufe der Jahre blühte Fahrners Designkunst auf. Von 1899 bis 1906 entwirft er hauptsächlich selbst, wobei er jedem Stück seine künstlerische Vision einhaucht. Die Zusammenarbeit mit Designern wie Maria Obrich, Patriz Huber und Ludwig Knupper prägte später die Entwicklung des Unternehmens. Der Schwerpunkt der Marke verlagerte sich auf erschwinglichen, eleganten Art-Déco-Schmuck und festigte den internationalen Ruf. Fahrners Lebensweg endete am 22. Juli 1919 und er hinterließ ein reiches Erbe und zwei Töchter, Vera und Yella. Sein Erbe blieb bestehen, als der Juwelier Gustav Braendle die Marke Fahrner erwarb und sie unter dem Namen Bijouteriewarenfabrik Gustav Braendle weiterführte, während das unverwechselbare Label "Fahrnerschmuck" weiterhin exquisite Kreationen zierte.
Camille Fauré war ein französischer Emaillekünstler, der vor allem durch seine Entwürfe für die Porzellanmanufaktur Limoges in Limoges bekannt wurde. Florale und figürliche Muster in reichhaltig glasierten Farben waren sein Markenzeichen.
Emile Gallé war ein französischer Kunsthandwerker, welcher besonders durch den Entwurf von Keramik, Glas und Möbeln im Stil des Historismus bzw. des Jugendstils bekannt geworden ist. Er gilt als bekanntester Vertreter des französischen Jugendstils (Art Nouveau) auf kunstgewerblichem Gebiet.
David Gauld war ein bedeutender schottischer Künstler, der sowohl in Öl als auch in Glasmalerei arbeitete und als einer der Erneuerer der Glasgow Boys-Gruppe galt. Einige seiner Werke, wie z. B. St. Agnes und Musik, gelten als Vorläufer des Jugendstils. Seine Werke wurden sowohl von den Japanern als auch von den Präraffaeliten beeinflusst.
Charles Dana Gibson war ein amerikanischer Illustrator. Er erlangte vor allem durch die Schaffung der "Gibson Girl" Bekanntheit, einem Idealbild der amerikanischen Frau zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Diese Darstellungen prägten maßgeblich den Stil und die Wahrnehmung der amerikanischen Weiblichkeit dieser Epoche.
Gibson begann seine künstlerische Laufbahn in jungen Jahren und zeichnete sich durch ein außergewöhnliches Talent im Umgang mit Feder und Tinte aus. Seine Illustrationen, die häufig in Zeitschriften wie Life und Harper's erschienen, boten einen humorvollen Einblick in das öffentliche Leben und die Sitten seiner Zeit. Er studierte an der Art Students League in New York und verfeinerte dort sein künstlerisches Können unter anderem bei Thomas Eakins und Kenyon Cox.
Gibson wurde nicht nur für seine Illustrationen bekannt, sondern auch für seine Beiträge zur Kriegspropaganda während des Ersten Weltkriegs und seine spätere Rolle als Herausgeber und Eigentümer des Life-Magazins. Im Laufe seiner Karriere entwickelte er einen unverwechselbaren Stil, der die amerikanische Gesellschaft jener Zeit humorvoll und kritisch widerspiegelte und bis heute in der Illustrationskunst nachwirkt.
Für Kunstliebhaber und -sammler sind Gibsons Arbeiten ein faszinierendes Studienobjekt, das Einblicke in die kulturellen und gesellschaftlichen Entwicklungen Amerikas zu Beginn des 20. Jahrhunderts bietet. Sein Erbe lebt in Museen und Galerien sowie in privaten und öffentlichen Sammlungen weiter.
Wenn Sie über neue Entdeckungen, Ausstellungen und Verkaufsevents im Zusammenhang mit Charles Dana Gibson informiert werden möchten, empfehlen wir Ihnen, sich für entsprechende Updates anzumelden. So bleiben Sie stets über die neuesten Ereignisse und Angebote in der Welt der Kunst und Antiquitäten auf dem Laufenden.
Ernst Julius Hähnel war ein deutscher Bildhauer, Professor an der Dresdner Akademie der Künste.
Ernst Hähnels Hauptinteresse galt der Porträtmalerei. Seine Statuen zeigen eine klare Idealisierung seiner Helden im Geiste der antiken Tradition.
Sigmund Walter Hampel, geboren am 17. Juli 1867 in Wien und gestorben am 17. Januar 1949 in Nußdorf am Attersee, war ein österreichischer Maler und Zeichner. Hampel, Sohn eines Glasmalers, erlernte in der Werkstatt seines Vaters Design, Materialkunde und Technik. An der Wiener Akademie der bildenden Künste studierte er unter August Eisenmenger und Heinrich von Angeli und entwickelte rasch ein feines Farbgefühl sowie verbesserte technische Fähigkeiten. Von 1900 bis 1911 war er Mitglied des Hagenbundes, einer Wiener Künstlervereinigung.
Hampels Werk umfasst sowohl Porträts, darunter das der Opernsängerin Luise Pagin (1897) und der Burgschauspielerin Auguste Wilbrandt-Baudius (1900), als auch Landschaftsbilder und Genreszenen. Besonders bekannt sind seine Arbeiten in der speziellen Aquarell-Temperatechnik, seine „Goldbronzezeichnungen“ sowie Ölgemälde wie „Der Zwerg und das Weib“ (1902). Drei seiner Werke befinden sich in der Österreichischen Galerie Belvedere.
Hampel stellte seine Werke auf zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen aus, unter anderem auf der Weltausstellung 1904 in St. Louis, wo er für seine ausgestellten Werke einen Großen Preis erhielt, sowie in der Wiener Secession und dem Wiener Künstlerhaus. Er pflegte Kontakte zum Umfeld der Wiener Werkstätten, zu Künstlern wie Gustav Klimt, und war bereits zu Lebzeiten am Kunstmarkt gut etabliert.
Für Sammler, Auktionatoren und Kunstexperten stellt das Werk von Sigmund Walter Hampel ein interessantes Forschungs- und Sammelgebiet dar, insbesondere aufgrund seiner Vielseitigkeit und technischen Fertigkeiten. Seine Werke und seine Bedeutung für die Kunst seiner Zeit spiegeln sich in seinen zahlreichen Ausstellungen und Anerkennungen wider.
Für weiterführende Informationen und Details zu Sigmund Walter Hampels Kunstwerken und seiner Karriere empfehlen wir, sich für entsprechende Updates anzumelden, um über neue Produktverkäufe und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit diesem Künstler informiert zu werden.
Thomas Theodor Heine war ein deutsch-schwedischer Künstler jüdischer Herkunft, der Ende des 19. und Anfang des 20. Er ist als Maler, Zeichner, Illustrator und Schriftsteller bekannt.
Heine war Mitbegründer der populären deutschen satirischen Wochenzeitung Simplicissimus, in der er seine Zeichnungen und Karikaturen abdruckte. Er arbeitete auch an den Zeitschriften Fliegende Blätter und Jugend mit, illustrierte Bücher und schuf Werbeplakate und erotische Zeichnungen. Nach der Machtübernahme der Nazis floh der Künstler nach Schweden, wo er die Staatsbürgerschaft erhielt. Seine Werke wurden 1947, ein Jahr vor Heines Tod, in einer retrospektiven Jubiläumsausstellung in Stockholm präsentiert.
Adolf Hengeler, geboren 1863 in Kempten, war ein deutscher Künstler, der sich in der Welt der Grafik und Malerei einen Namen machte. Sein Schaffen umfasste angewandte Grafik, Karikaturen, Bildgeschichten und Malerei, die durch einen humorvoll-gutmütigen, gleichwohl schadenfrohen und detailreichen Stil geprägt waren. Hengeler, der oft mit Wilhelm Busch verglichen wird, hatte eine charakteristische Grafik, die von luftigen Farbzeichnungen bis zu präzisen Tuschestrichen reichte.
In der Malerei konzentrierte sich Hengeler vor allem auf Landschaften, die oft von Putten und Fabelwesen belebt wurden, sowie auf Idyllen oder Personen in Landschaften. Seine Werke, die den Geschmack des Publikums trafen, zeichneten sich durch erdige Brauntöne aus, die durch helle Lokal- und Pastelltöne ergänzt wurden. In späteren Jahren widmete er sich auch christlichen Legenden und Figuren der biblischen Geschichte.
Einige seiner bekannten Publikationen umfassen die „Münchner Kinderfibel“ und das „Kriegstagebuch 1914/15“. Darüber hinaus sind seine Werke in Sammlungen wie dem Museu Nacional d'Art de Catalunya und den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen vertreten.
Für Sammler, Auktionatoren und Kunst- und Antiquitätenexperten bietet Adolf Hengelers Schaffen einen faszinierenden Einblick in die humorvolle und idyllische Darstellung der deutschen Kunst um die Jahrhundertwende.
Wenn Sie an weiteren Informationen und Updates zu Adolf Hengeler interessiert sind, melden Sie sich für unsere Newsletter an. Bleiben Sie auf dem Laufenden über Verkaufs- und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit diesem bemerkenswerten Künstler.
Frances Mary Hodgkins war eine neuseeländische Malerin, die den größten Teil ihres Lebens in Europa lebte und arbeitete. Sie wird als Vertreterin der englischen Avantgarde der 1930er und 1940er angesehen und gilt als eine der wichtigsten Kunstschaffenden ihrer Generation und ihres Landes.
Ferdinand Hodler war ein Schweizer Maler des Symbolismus und des Jugendstils. Eine besondere Rolle spielen seine Selbstbildnisse als Selbstbiographie in einzelnen Schaffensperioden. Er ist einer der bekanntesten Schweizer Maler des 19. Jahrhunderts.
Oskar Erich Hösel war ein deutscher Bildhauer und Modelleur, bekannt für seine Meißner Jugendstilfiguren. Zeichneten sich seine Werke durch naturgetreue Darstellungen und kräftige Farbgebung aus. Insbesondere sind seine Tierfiguren bei Sammlern sehr beliebt. Oskar Erich Hösel studierte an der Kunstakademie Dresden und wurde dort 1904 zum Professor ernannt. Er leitete ab 1903 die Gestaltungsabteilung in Meißen und wurde 1912 zum Gestaltungsdirektor befördert.
Zu seinen bekanntesten Werken gehören die Plastik "Hunne zu Pferde" (1895) im Kolonnadenhof der Nationalgalerie Berlin und verschiedene Porzellanfiguren, die er für die Staatliche Porzellan-Manufaktur Meissen schuf. Darunter befinden sich auch mehrere Kleinplastiken von Tierfiguren, die bis heute große Anerkennung finden.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten stellt Oskar Erich Hösel eine interessante Figur dar, dessen Schaffensvielfalt von großformatigen Plastiken bis hin zu detailreichen Porzellanfiguren reicht. Seine Werke sind ein Spiegel der kunsthandwerklichen Fähigkeiten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts in Deutschland.
Für diejenigen, die sich für Oskar Erich Hösel und seine Werke interessieren und über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse informiert bleiben möchten, empfehlen wir, sich für entsprechende Updates anzumelden.
Albert Hinrich Hussmann war ein herausragender deutscher Maler und Bildhauer, der besonders für seine Spezialisierung auf die Darstellung von Pferden und Reitern bekannt ist. Geboren am 3. März 1874 in Lüdingworth, erlangte er seine künstlerische Ausbildung an der Akademie der Künste in Berlin. Sein Talent im Umgang mit der Form und Bewegung von Tieren, insbesondere Pferden, machte ihn zu einem der führenden Tierplastiker seiner Zeit.
Hussmanns Fähigkeit, die Dynamik und Eleganz seiner Motive einzufangen, verschaffte ihm Anerkennung weit über die deutschen Grenzen hinaus. Seine Werke, charakterisiert durch lebendige Darstellungen und eine tiefgreifende Detailtreue, finden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen. Einige seiner bemerkenswertesten Skulpturen und Gemälde sind in renommierten Museen und Galerien ausgestellt, darunter die Große Berliner Kunstausstellung, wo seine Arbeiten regelmäßig gezeigt wurden.
Die Kunst und Kultur des frühen 20. Jahrhunderts wurden durch Hussmanns Beiträge bereichert, die eine Brücke zwischen traditioneller Bildhauerei und der modernen Auffassung seiner Zeit schlugen. Sein Vermächtnis lebt in den Sammlungen fort, die seine Passion für Pferde und Reiterei widerspiegeln und weiterhin Kunstliebhaber und Experten faszinieren.
Für Sammler und Experten im Bereich Kunst und Antiquitäten bieten Hussmanns Werke eine einzigartige Kombination aus historischer Bedeutung und ästhetischem Wert. Seine Darstellungen von Pferden und Reitern sind nicht nur Ausdruck künstlerischer Meisterschaft, sondern auch Zeugnisse der Geschichte und Kultur seiner Zeit.
Wir laden Sie herzlich ein, sich für Updates anzumelden, die Sie über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse informieren, die mit Albert Hinrich Hussmann in Verbindung stehen. Bleiben Sie auf dem Laufenden über die neuesten Entdeckungen und seltene Gelegenheiten, ein Stück dieser faszinierenden Kunstgeschichte zu besitzen.
Georg Janny war ein österreichischer Bühnenbild-, Landschafts- und Figurenmaler.
Georg Janny arbeitete als Theaterdekorationsmaler im damals bekannten Atelier der Maler Carlo Brioschi, Hermann Burghart und Johann Kautsky, in welchem unter anderen auch Konrad Petrides, Leopold Rothaug, Ferdinand Brunner und Alfons Mucha tätig waren. Georg Janny war Mitglied des Dürerbundes und zeitweilig dessen Archivar.
Georg Janny war bis zu seinem Tode auch als Landschafts- und Figurenmaler tätig. Neben zahlreichen Landschaftsbildern malte Janny oft Szenerien von Märchen- oder Zauberwelten, die in ihrem symbolhaften Gehalt an Bilder von Arnold Böcklin oder Gustave Doré erinnern.
Rudolf Kaesbach war ein deutscher Bildhauer.
Rudolf Kaesbach studierte an den Akademien in Hanau (Zeichnen), Paris (Gießerei) und Brüssel. In Düsseldorf betrieb er eine Werkstatt, in der er seine eigenen Modelle goss.
Nach 1904 stellte Rudolf Kesbach eine Reihe von lebensgroßen Marmorfiguren auf Ausstellungen in Berlin, Düsseldorf und Malmö der Öffentlichkeit vor. Später widmete er sich verstärkt der Darstellung von Frauenakten. Viele seiner Arbeiten führten ihn über den Jugendstil hinaus zum Art Déco.
In den Jahren 1939, 1940, 1941 und 1943 stellte Kiesbach seine Skulpturen auf den Großen Deutschen Kunstausstellungen in München aus. Diese Ausstellungen waren im Nationalsozialismus repräsentativ.
Egbert Paul (Arthur) Kampf war ein deutscher Historien-, Genre- und Porträtmaler der Düsseldorfer Schule sowie Hochschullehrer in Düsseldorf und Berlin.
Auch war er Landschafts- und Industriemaler, Illustrator, Zeichner, Radierer und Lithograf. Seine Bilder zeigen neben Bildnissen und Genremotiven hauptsächlich historische Motive, etwa um die Person Friedrichs des Großen, und Auseinandersetzungen mit Kriegsereignissen, etwa aus der Zeit der Befreiungskriege und 1915 von der Westfront. In der Darstellung der männlichen Figur, insbesondere des Arbeiters und des Soldaten, pflegte er einen heroisierenden Männlichkeitskult. Einige seiner Darstellungen wurden in der Propaganda beider Weltkriege genutzt. Als Historienmaler und Repräsentant der Wilhelminischen Epoche geriet er in den 1920er Jahren zunehmend ins Abseits. Nachdem er 1924 die Berliner Akademie verlassen hatte, produzierte er Auftragsarbeiten, darunter zwei Porträts von Mustafa Kemal Atatürk (1925). Die Etablierung des NS-Regimes, durch die er staatlicherseits wieder öffentliche Wertschätzung erfuhr und als Vorbild für die Kunst im Nationalsozialismus hervorgehoben wurde, begrüßte Kampf in dem Gemälde Der 30. Januar 1933 (1938). Darin stellte er den Fackelzug von SA, SS und Stahlhelm von der Charlottenburger Chaussee durch das Brandenburger Tor zur Wilhelmstraße in Berlin zur Feier der Machtübernahme Hitlers dar.
Gustav Kampmann war ein deutscher Landschaftsmaler und Grafiker. Sein Werk umfasst Landschaftsgemälde und Lithographien, selten mit Personen, manchmal mit architektonischen Elementen. Kampmann hat einen persönlichen, höchst eigenwilligen Stil entwickelt, der durch seine Offenheit, die bloße Auseinandersetzung mit Motiven und die spontane Geste beeindruckt. Seine Werke zeichnen sich durch eine für die damalige Zeit untypische malerische Freiheit und Abstraktion aus.
Karl Kauba war ein österreichischer Bildhauer und Kleinplastiker und bedeutender Vertreter der Wiener Bronzen. Mit seinen Darstellungen von Cowboys und Indianern fertigte und exportierte er für den amerikanischen Markt des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Manche seiner Plastiken fertigte er unter dem Pseudonym T. Curts an.
Jessie Marion King war eine schottische Illustratorin, die für ihre illustrierten Kinderbücher bekannt war. Sie entwarf auch Exlibris, Schmuck und Stoffe und bemalte Töpferwaren. King war eine der Künstlerinnen, die als die Glasgow Girls bekannt wurden.
King stand unter dem Einfluss des Jugendstils dieser Zeit, und ihre Werke entsprechen in ihrer Stimmung denen der Glasgow Four. Trotz des Einflusses des Jugendstils ließ sie sich zu einzigartigen Entwürfen inspirieren, in denen sie die reale Welt nicht wörtlich umsetzte.
Die meisten von Kings frühesten Arbeiten waren Illustrationen, aber sie schrieb auch Bücher und war eine geschickte Schmuckdesignerin.
Übersetzt mit www.DeepL.com/Translator (kostenlose Version)
Fernand Khnopff, vollständiger Name Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff, war ein belgischer symbolistischer Maler, Grafiker, Bildhauer und Kunsthistoriker.
Fernand wurde in einer wohlhabenden Familie geboren und besuchte die Königliche Akademie der Schönen Künste in Brüssel, wo er bei Xavier Mellerie Malerei studierte. Während seiner Jahre an der Akademie verbrachte Khnopff die Sommer in Paris, um Kunst zu studieren, und auf der Weltausstellung 1878 sah er die Werke des Präraffaeliten Edward Burne-Jones und des Symbolisten Gustave Moreau, die einen entscheidenden Einfluss auf sein Werk hatten.
In den frühen 1880er Jahren begann Khnopff, seine symbolistischen Werke auszustellen, die oft von literarischen Werken, insbesondere von Gustave Flaubert, inspiriert waren. In seinen Gemälden verband er präzisen Realismus mit einer ätherischen, märchenhaften Atmosphäre, und er malte auch Porträts.
1883 war Khnopff Mitbegründer von Les Vingt, einer Gruppe von belgischen Avantgarde-Künstlern. Seit Anfang der 1990er Jahre arbeitete er regelmäßig mit dem Brüsseler Opernhaus Royal de la Monnaie zusammen und entwarf Kostüme und Bühnenbilder für zahlreiche Produktionen. Außerdem entwarf er die Innenausstattung der wichtigsten Gebäude in Brüssel: das Maison Stoclet und das Hôtel de Ville in Saint-Gilles.
