Le modernisme dans la peinture - une interprétation différente de la réalité

Le modernisme est apparu dans la culture occidentale à la fin du XIXe siècle et a connu son développement au début du XXe siècle. Cette période est entrée dans l'histoire de l'art et, en particulier, de la peinture, comme une période extrêmement fertile et riche en nouvelles découvertes, même si elle était associée au déclin dans l'esprit des contemporains. Le modernisme a évolué comme un rejet de l'héritage classique et a considérablement élargi et enrichi le langage artistique de la peinture.

Le modernisme. Max Ernst. L'Éléphant de Célèbes, 1921

Le modernisme reflétait directement les processus sociaux qui se déroulaient dans la société. Le rythme de la vie s'accélérait, les anciens idéaux devenaient rapidement obsolètes et de nouveaux émergeaient à peine. Les artistes étaient hantés par un sentiment de vide et d'anxiété, et ils cherchaient le salut dans la destruction des normes et des traditions existantes imposées par les formes classiques de l'art.

Qu'est-ce que le modernisme, ses caractéristiques et ses particularités stylistiques

Le modernisme se caractérise par le rejet du réalisme au profit de la perception sensorielle et de l'expression du monde intérieur de l'artiste. Une liberté artistique absolue a été proclamée, qui ne devait pas être limitée par les frontières du monde réel. L'expérimentation a remplacé les méthodes établies depuis des siècles.

Le modernisme. Pablo Picasso. Guitar, 1912

L'auto-expression était considérée comme l'aspect le plus précieux, devenant la philosophie du modernisme. Les partisans des nouveaux mouvements estimaient que l'art du passé, avec ses limites et son rationalisme, avait mené la peinture dans une impasse, et seules des techniques totalement novatrices et parfois absurdes pouvaient insuffler une nouvelle vie à la créativité.

Le modernisme est une combinaison de divers mouvements qui se sont développés dans la première moitié du XXe siècle, notamment :

• Le fauvisme.
• Le cubisme.
• Le surréalisme.
• Le futurisme.
• L'abstraction.
• L'expressionnisme.

Le trait commun de la peinture moderniste était la présentation novatrice d'images familières par le biais de formes non conventionnelles, de compositions linéaires, de rythmes complexes et de combinaisons de couleurs inattendues.

Les Courants du Modernisme, Artistes Modernistes Célèbres

Les historiens de l'art débattent de la date exacte de l'apparition du style. Une série d'événements pouvant être considérée comme un point de départ pour le développement du modernisme inclut le Salon des Refusés qui a fonctionné à Paris à partir de 1863. Il exposait des œuvres rejetées par le jury du salon officiel. Le public assistait à l'exposition pour rire des peintures inhabituelles des artistes. En particulier, l'œuvre d'Édouard Manet « Le Déjeuner sur l'herbe » a été fortement critiquée.

Le modernisme. Édouard Manet. Le déjeuner sur l'herbe, 1863

Le premier mouvement dans l'art moderne du début du XXe siècle a été le Fauvisme. Le terme a été utilisé pour la première fois par les critiques français pour décrire le travail d'un groupe de jeunes artistes, dont :

• Henri Matisse.
• Albert Marquet.
• Georges Rouault.

Ces peintres n'ont pas défendu un programme esthétique spécifique, mais ils s'opposaient formellement aux méthodes et techniques des Impressionnistes, ce qui se manifestait par la primitivité des formes, des décisions compositionnelles tranchantes, une tendance aux couleurs vives et le mépris de la perspective linéaire.

Le modernisme. Henri Matisse. Portrait de la famille du peintre, 1911

Le Cubisme est apparu légèrement plus tard que le Fauvisme, avec Georges Braque et Pablo Picasso comme fondateurs. Les artistes ont basé leur travail sur le postulat de Cézanne selon lequel des formes géométriques sont à la base de chaque objet, et ils l'ont développé dans leur propre créativité. Les peintures cubistes représentent une réalité fantastique créée par l'imagination de l'artiste. Les objets sont présentés comme des combinaisons de parties individuelles, et les plans sont déplacés. Le critère principal pour évaluer les œuvres des Cubistes était la perfection géométrique de l'image.

Le modernisme. Pablo Picasso. Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Les premières œuvres des Futuristes sont apparues en 1909. Les artistes opposaient la technologie à l'humanité et cherchaient à transmettre la conscience débordante de leurs contemporains à travers leurs œuvres. Le personnage principal de leurs œuvres était le temps, et ils en traduisaient le rythme rapide par la fragmentation des images visuelles, le rythme chaotique et la répétition multiple des mouvements des corps et des objets. De nombreux artistes italiens de renom ont rejoint le Futurisme, notamment :

• Giacomo Balla.
• Luigi Russolo.
• Umberto Boccioni.

Le modernisme. Luigi Russolo. La Rivolta, 1911

Le Surréalisme a proclamé l'inconscient comme son chef en art et visait à éveiller la pensée associative des spectateurs. Ce mouvement est né en France dans les années 1920 et s'est développé en deux directions. Certains peintres ont créé des chefs-d'œuvre avec des images abstraites et des formes arbitraires, comme les œuvres d'André Masson, Max Ernst et Joan Miró.

Le modernisme. Andre Masson. La bataille des poissons, 1926

Un autre groupe de surréalistes, dirigé par Salvador Dali, s'est concentré sur la reproduction minutieuse d'images provenant du subconscient. Les œuvres de ces maîtres se caractérisent par leur précision dans la représentation, leur minutie dans le détail et leur perspective bien pensée, typique de la peinture académique. Le leitmotiv de Dali est devenu la fantaisie de l'absurde, avec des combinaisons paradoxales de formes et une instabilité visuelle des objets.

Le modernisme. Salvador Dali. Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade, une seconde avant l'éveil, 1944

L'abstraction a évolué après 1910. Guillaume Apollinaire l'a qualifiée « d'art n'ayant plus aucun sujet extérieur, mais seulement un sujet intérieur ». Le fondateur de ce mouvement était Vassily Kandinsky, dont les œuvres de cette période ont complètement perdu tout lien avec le monde réel, mais étaient incroyablement significatives, émotionnelles et imprégnées de la dynamique de la vie réelle.

Le modernisme. Vassily Kandinsky. Quelques tours de piste, 1926

Un représentant éminent de la direction rationnelle de la peinture non objective était Kasimir Malevitch, qui cherchait à créer un monde d'harmonie froide incarné dans des formes géométriques dans ses compositions. Son œuvre « Carré noir » est devenue la formule la plus pure de l'abstraction picturale, où l'artiste a réussi à transmettre l'essence même de l'espace, dénué d'échelle et d'extension.

Le modernisme. Kasimir Malevitch. Carré noir sur fond blanc, 1915

Le mouvement des expressionnistes a été initié par des artistes allemands au premier quart du XXe siècle. Les premiers représentants de ce mouvement - Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Otto Mueller - faisaient partie du groupe « Die Brücke », fondé en 1905 à Dresde. L'objectif des peintres était de trouver un dénominateur commun qui unissait la vie spirituelle et sociale. L'état émotionnel des artistes trouvait son reflet dans l'improvisation et la distorsion des proportions réelles. Le principal moyen de représenter l'espace dans les tableaux des expressionnistes était la couleur.

Le modernisme. Ernst Ludwig Kirchner. Demi nu féminin avec chapeau, 1911

Les conflits militaires qui s'intensifiaient en Europe à la fin des années 1930 ont ralenti le développement de l'art moderniste et rompu les liens entre les écoles nationales de peinture. De nombreuses entreprises artistiques de la première moitié du XXe siècle ont été interrompues au moment où elles commençaient à peine. Le modernisme a eu une influence considérable sur l'évolution de l'art, et les œuvres des maîtres de cette époque continuent d'évoquer une véritable admiration chez les spectateurs contemporains.

Le modernisme. Erich Heckel. Vignobles près de Bordeaux, 1929

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