Dessin : essence, types, techniques et histoire brève

Le dessin est la plus ancienne forme d'art visuel, une sous-catégorie de la graphique et la base structurelle de toute image. Pendant de nombreuses années, il est resté essentiellement un outil supplémentaire dans le travail des artistes, sculpteurs ou architectes. La plupart des individus créatifs jetaient généralement de nombreuses esquisses et croquis après avoir terminé leur travail sur une autre œuvre. Ce n'est que au début du XXe siècle que le dessin a été reconnu comme une forme autonome de peinture.

Dessin. Leonardo da Vinci. Autoportrait de Turin, 1512

Pour un maître, le dessin sert de moyen pratique pour comprendre la réalité et la refléter dans son œuvre artistique. Au cours du processus de dessin d'après nature ou de mémoire, un peintre analyse soigneusement les formes des objets représentés et détermine leur placement idéal dans la composition.

Le dessin aide une personne à capturer des moments individuels d'exploration créative sur papier. Sur une période prolongée de travail sur une peinture, les idées initiales et l'humeur de l'artiste subissent souvent des changements importants. En examinant de nombreux croquis et dessins, l'artiste replonge souvent dans le monde intérieur de ses émotions et de ses souvenirs.

Dessin. Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Les Trois Croix, 1653

Les types de dessins et leurs caractéristiques distinctives

Dans l'art, le dessin représente la représentation d'objets à l'aide de divers moyens graphiques : points, lignes, traits et taches. Il existe une énorme variété de types de dessins qui diffèrent en fonction de divers critères :

• Technique d'exécution. Les dessins peuvent être originaux ou imprimés. Les images originales sont créées sur du papier comme une pièce d'art unique. Les versions imprimées (impressions) sont obtenues en faisant des empreintes à partir des originaux sur du bois (gravure) ou du métal, de la pierre (lithographie).
• Objectif. Les dessins sont divisés en créatifs et académiques (éducatifs). Dans les œuvres créatives, l'artiste reflète son monde intérieur, et elles deviennent souvent de véritables chefs-d'œuvre. Le dessin académique est utilisé par les futurs artistes pour perfectionner leurs techniques d'exécution. Ils peuvent copier les œuvres originales d'artistes célèbres ou dessiner des objets vivants et inanimés d'après nature. La complexité des tâches augmente progressivement dans le cadre du processus éducatif, et un enseignant expérimenté veille à un contrôle de la qualité complet.
• Genre et thème. Il existe une grande diversité thématique et de genre dans les dessins, allant des natures mortes traditionnelles, des portraits et des paysages aux représentations historiques, héroïques, religieuses, mythologiques, fantastiques, du quotidien, de la fantasy, et d'autres thèmes.
• Caractère et méthodes de dessin. Au cours du processus de travail sur une peinture, l'artiste combine deux méthodes de dessin principales : d'après nature et de mémoire. Ces méthodes s'entremêlent de manière harmonieuse, car le maître cherche non seulement à transmettre fidèlement ce qu'il voit, mais aussi à incorporer des impressions personnelles. Par conséquent, le même objet, dessiné par différentes personnes, peut paraître totalement différent sur deux peintures.
• Utilisation des moyens expressifs. Les principaux moyens expressifs pour les artistes en dessin sont les lignes, les tons, la lumière et l'ombre, et les proportions. Selon leur combinaison, différentes variantes sont créées, allant des plus simplifiées (mettant en avant la structure des objets) à celles qui sont les plus fidèles en termes d'art.
• Matériau de base et outils utilisés. Dans l'Antiquité, les gens dessinaient sur divers matériaux disponibles tels que le papyrus, les tablettes de cire, le parchemin et l'écorce de bouleau. Aujourd'hui, le papier, le carton ou la toile sont le plus souvent utilisés à cette fin. Les outils de dessin comprennent les crayons, le fusain, l'encre, la sanguine, la sépia, les pastels ou la peinture à l'aquarelle.

Dessin. Valentin Serov. Le loup et les bergers, 1898

En fonction du niveau de détail de la composition artistique et de la complexité de l'exécution, plusieurs principaux types sont distingués :

• Esquisse. Destinée à capturer des idées individuelles ou des observations de l'auteur.

Dessin. Les esquisses de Michel-Ange

• Esquisse de la nature. Utilisée pour représenter les caractéristiques les plus marquantes (essentielles) de la nature en vue d'un développement ultérieur.

Dessin. Vassili Sourikov. Esquisse d'après nature à Boyaryna Morozova, 1884-1885

• Croquis. Fixe le concept d'une partie spécifique ou de la totalité de l'œuvre. Il est réalisé de manière libre et contient des détails importants de la future toile, tels que la structure de la composition, l'équilibre des couleurs et les plans spatiaux.

Dessin. Ivan Chichkine. Esquisse pour Champ de seigle, 1878

• Étude. Représente une petite œuvre d'art, mais complète en forme.

Dessin. Paul Signac. Etude. Coucher de soleil sur la ville, 1892

L'histoire du dessin

L'histoire du dessin remonte aux origines les plus anciennes de la civilisation humaine. Pendant de nombreux millénaires, avant l'avènement de l'écriture, nos ancêtres représentaient des scènes de chasse, des figures humaines et animales sur les parois des grottes pour transmettre des informations importantes les unes aux autres. Les peintures rupestres anciennes ont une immense valeur historique, mais elles suscitent peu d'intérêt pour les historiens de l'art et les artistes.

Dessin. Egon Schiele. Schiele peignant des nus devant un miroir, 1910

Jusqu'au XIVe siècle, il n'y avait pas de distinction fondamentale entre le dessin et la peinture. Les artistes n'utilisaient pas de techniques d'ombrage et de hachures. Les pyramides égyptiennes et les vases de l'ancienne Grèce présentaient principalement des représentations schématiques d'objets et de personnes.

Avec le début de la Renaissance, le dessin a connu un développement rapide et s'est établi. Cette période a jeté les bases de la théorie et de la pratique de l'art européen. Des maîtres exceptionnels de l'époque, tels que Raphaël Santi et Michel-Ange Buonarroti, utilisaient le dessin dans la peinture en atelier de divers genres. Des œuvres graphiques remarquables de Léonard de Vinci, Paolo Véronèse et Titien ont vu le jour. Albrecht Dürer a élevé la gravure sur bois au niveau de l'art véritable.

Dessin. Pieter Bruegel l'Ancien. L'été, 1568

À la fin du XVIe siècle, le concept de dessin académique est apparu pour la première fois, donnant naissance à un système classique structuré de formation des artistes. Pendant cette période, il est devenu courant pour les artistes en herbe de copier les œuvres de maîtres reconnus.

Au XVIIe siècle, les œuvres de Rembrandt, Rubens et d'autres maîtres ont donné naissance au dessin réaliste. L'ère baroque a introduit la dynamique et la grandeur dans le dessin, tandis que l'époque rococo a ajouté de la finesse et des récits détaillés.

Au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, le romantisme a dominé l'art. Les images ont gagné en intensité expressive, et les sujets héroïques sont devenus très populaires.

Dessin. William Blake. Job et ses filles, 1799-1800

À la fin du XIXe siècle, un nouveau phénomène a émergé dans la culture de masse - les illustrations pour les publications imprimées. Un grand nombre d'images issues d'affiches, de pages de journaux et de magazines ont inondé le public.

Dessin. Pablo Picasso. Portrait d'Igor Stravinsky, 1920

Le XXe siècle a également contribué au développement du dessin. De nouvelles formes ont émergé :

• Satirique.
• Illustratif.
• Propagandiste.
• Lié à la guerre.
• Technique.
• De design.

Les dessins les plus célèbres

Parmi les œuvres célèbres des artistes de génie, les dessins n'occupent pas les premières positions en termes de popularité. Ils cèdent toujours la place à des tableaux plus frappants et colorés de maîtres renommés. Cependant, rendons hommage à cette forme d'art et rappelons quelques œuvres significatives.

« L'Homme de Vitruve » de Léonard de Vinci. L'image d'un homme nu selon deux proportions du grand maître sert de modèle de symétrie interne du corps humain et même de l'univers depuis plus de 500 ans.

Dessin. Leonardo da Vinci. Homme de Vitruve, 1490

« Lucrèce » de Raphaël. Cette œuvre nous est parvenue, en partie grâce au désir de contemporains moins connus de copier les chefs-d'œuvre du maître. Basé sur cette esquisse, Marcantonio Raimondi a créé sa célèbre gravure.

Dessin. Raphaël. Lucrèce, 1511

« La Mélancolie » d'Albrecht Dürer. Cette mystérieuse gravure du grand artiste allemand est de petite taille - seulement 23,9 × 18,8 cm. La gravure méticuleusement détaillée contient de nombreux symboles évidents et cachés. Un fait intéressant est que le peintre avait un tempérament mélancolique, tout comme de nombreuses personnalités créatives brillantes de tous les temps.

Dessin. Albrecht Dürer. Melencolia I, 1514

« Le sommeil de la raison engendre des monstres » de Francisco José de Goya. Une eau-forte d'un des représentants les plus brillants du style romantique est basée sur un proverbe espagnol simple. Mais le grand Goya a réussi à créer une œuvre brillante à partir d'une chose quotidienne.

Dessin. Francisco Goya. Le sommeil de la raison engendre des monstres, 1799

L'importance du dessin en art est difficile à surestimer. Avec lui, les artistes cherchent de nouvelles idées et compositions intéressantes pour leurs œuvres. De nombreuses œuvres de maîtres anciens et contemporains peuvent être achetées sur le site Very Important Lot. Les visiteurs de notre portail ont également la possibilité de participer à des enchères en ligne.